Statue héroïque d'Auguste Alors que les Grecs réalisaient des sculptures de formes humaines idéalisées, les Romains avaient tendance à faire des portraits. Les Romains ont réalisé des sculptures de dieux, de héros, d'empereurs, de généraux et de politiciens. Ils ont également utilisé des images sculptées pour orner les chapiteaux des colonnes et les casques des gladiateurs. Les sculptures romaines reflétaient souvent les modes et les styles de vie qui prévalaient au moment de leur réalisation.Les archéologues peuvent même dater les sculptures romaines par leurs coiffures et leurs styles vestimentaires. À l'époque augustéenne, par exemple, les femmes se séparaient les cheveux au milieu avec un rouleau central. Les Flaviens et les Antiones avaient des coiffures plus élaborées qui ressemblaient à un nid d'abeilles de boucles. ["Les créateurs" par Daniel Boorstin]
Les sculptures étaient faites de pierres d'apparence spectaculaire mais difficiles à travailler, comme le porphyre du djebel Dokhan dans le nord-est de l'Égypte, le granit basanite du djebel Fatireh dans l'est de l'Égypte, et le marbre bleu, jaune, vert, noir et gris provenant d'autres régions de l'empire.
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Sites web sur la Rome antique : Internet Ancient History Sourcebook : Rome sourcebooks.fordham.edu ; Internet Ancient History Sourcebook : Late Antiquity sourcebooks.fordham.edu ; Forum Romanum forumromanum.org ; "Outlines of Roman History" forumromanum.org ; "The Private Life of Romans" forumromanum.orgpenelope.uchicago.edu ; Gutenberg.org gutenberg.org L'Empire romain au 1er siècle pbs.org/empires/romans ; The Internet Classics Archive classics.mit.edu ; Bryn Mawr Classical Review bmcr.brynmawr.edu ; De Imperatoribus Romanis : une encyclopédie en ligne des empereurs romains roman-emperors.org ; British Museum ancientgreece.co.uk ; Oxford Classical Art Research Center : The Beazley Archivebeazley.ox.ac.uk ; Metropolitan Museum of Art metmuseum.org/about-the-met/curatorial-departments/greek-and-roman-art ; The Internet Classics Archive kchanson.com ; Cambridge Classics External Gateway to Humanities Resources web.archive.org/web ; Internet Encyclopedia of Philosophy iep.utm.edu ;
Encyclopédie de philosophie de Stanford plato.stanford.edu ; Ressources sur la Rome antique pour les élèves de la bibliothèque de l'école intermédiaire de Courtenay web.archive.org ; Histoire de la Rome antique OpenCourseWare de l'Université de Notre Dame /web.archive.org ; Nations unies de Roma Victrix (UNRV) Histoire unrv.com
La sculpture romaine a régressé par rapport à la sculpture grecque pour revenir à des images qui semblaient rigides et figées dans l'espace. Les Romains aimaient mettre des copies de sculptures grecques dans leurs jardins et leurs maisons en tant que décorations et œuvres d'art. L'historien Daniel Boorstin a écrit dans "The Creators" : "Alors que les Grecs donnaient à leurs dieux et à leurs humains idéaux une forme, les Romains ont tenté de rendre leurs dirigeants semblables à des dieux".ont besoin d'humaniser leurs sujets, et c'est ainsi que Néron a reçu la même graisse de bébé et qu'Hadrien est devenu majestueux. ["Les créateurs" de Daniel Boorstin].
La principale différence entre la sculpture grecque et la sculpture romaine est que cette dernière était plus personnalisée. Les statues grecques représentaient des formes humaines idéalisées d'athlètes et de dieux, tandis que les statues romaines représentaient des personnes réelles - principalement des personnes suffisamment importantes pour se faire commander une image d'elles, ou suffisamment riches pour s'offrir la leur, Il existe peu d'exemples de personnes ordinaires. Tous les empereurs romains avaient leurs statues publiques.Il existe aujourd'hui des représentations et des statues de Marc Aurèle, César et Vespasien. Ces statues étaient manifestement destinées à dépeindre les dirigeants sous leur meilleur jour et ont fini par ressembler à l'équivalent des images sèches des politiciens d'aujourd'hui. Les œuvres les plus révélatrices et les plus habiles sont les bustes de Romains et d'Arabes ordinaires, mais même les traits de leur visage et leurs rides ont souvent été utilisés pour illustrer l'image des dirigeants.L'intention du sculpteur ne représente pas nécessairement une personne réelle [Source : "History of Art" par H.W. Janson, Prentice Hall, Englewood Cliffs, N.J.].
Statue équestre
de Marcus Aurelius
Lorsque le chef de famille mourait, on faisait une image en cire de sa tête et on la plaçait dans une châsse sur l'autel familial. Lors des funérailles, ces images étaient retirées et portées en procession. Plus tard, elles ont été sculptées dans le marbre car la cire ne durait que quelques décennies. [Source : "History of Art" par H.W. Janson, Prentice Hall, Englewood Cliffs, N.J.].
"Polybe (205-125 av. J.-C.) a écrit : "Y a-t-il quelqu'un qui ne serait pas édifié en voyant ces portraits d'hommes connus pour leur excellence et en les voyant tous présents comme s'ils vivaient et respiraient ? Y a-t-il quelque chose de plus ennoblissant que cela ? ... ne permettant ainsi pas aux apparences humaines d'être oubliées ni à la poussière des âges de prévaloir contre les hommes" ["Les créateurs" de Daniel Boorstin].
Après les funérailles, la famille du noble décédé peignait un masque mortuaire en cire du noble sur un buste qui était à son tour placé à l'endroit le plus en vue de la maison. Plus tard, le buste était placé sur une étagère dans l'atrium avec les portraits d'autres parents décédés, tous reliés par des lignes de couleur qui les rassemblaient en un tableau généalogique. Lors de certaines fêtes, une couronne de laurierDes feuilles étaient placées sur le buste et, lors des funérailles familiales, les gens portaient les masques pendant la procession [Ibid].
L'intention de la sculpture romaine était d'immortaliser les personnes qui étaient sculptées et les artistes essayaient de capturer une ressemblance avec l'individu. La sculpture grecque, en revanche, représentait des humains idéalisés. Les masques des acteurs romains étaient faits pour ressembler aux personnes que les acteurs jouaient. [Ibid].
Si les statues pouvaient perpétuer la mémoire, écrit Boorstin, les détruire pouvait effacer la mémoire... Outre l'exécution et la confiscation des biens, le [nom] du condamné ne pouvait pas être perpétué dans sa famille, les images de lui devaient être détruites et son nom était censé être effacé de toutes les inscriptions.la seule façon pour l'accusé d'échapper à ces indignités était de se suicider avant que les accusations ne soient officiellement déposées." L'épouse de l'empereur condamné a fait réaliser en secret une sculpture après sa mort. Pour ce faire, les sculpteurs devaient reconstituer le corps démembré de l'empereur" [Ibid].
Les statues en bronze étaient fabriquées selon la technique de la cire perdue, qui consistait à utiliser de la cire pour créer un moule en argile. Elles étaient souvent ornées d'yeux, de dents et d'ongles en argent ou en pierre, ainsi que de cils et de mamelons en cuivre. Il reste peu de sculptures en bronze, la plupart ayant été fondues pour fabriquer des armes, des ustensiles de cuisine ou d'autres objets.
De nombreuses sculptures gréco-romaines qui étaient considérées comme des chefs-d'œuvre étaient en fait produites en masse en utilisant des méthodes de chaîne de montage pour les jardins. On pensait à l'origine que les grandes statues étaient faites d'une seule pièce, mais on a découvert par la suite qu'elles étaient faites de pièces pré-casées assemblées. Les preuves de cette hypothèse comprennent des photographies aux rayons X qui montrent les détails de la façon dont les premières parties de statue étaientLes joints et les défauts ont été martelés ; l'analyse chimique a indiqué que du plomb avait été ajouté pour économiser de l'argent sur le bronze.
Un vase en faïence vieux de 1 500 ans, dont on pensait qu'il montrait un démembrement humain, représentait en fait une ancienne chaîne de montage de statues en bronze.
Aphrodisias (à deux ou trois heures de taxi ou de minibus de Pamukkale et d'Ephèse), en Turquie, était une ville antique dédiée à Aphrodite, déesse de l'amour et de la fertilité, et le siège d'une célèbre école de sculpture... Elle est devenue célèbre en 88 avant J.-C. et a atteint son apogée en tant que ville romaine aux premier et deuxième siècles de notre ère.
Statue grecque d'un coureur Des gens vivaient sur le site depuis 5800 avant J.-C. L'acropole gréco-romaine a été construite sur les vestiges des communautés tribales qui vivaient ici avant l'arrivée des Grecs au 6e siècle avant J.-C. et les Romains l'ont reprise au 1er siècle avant J.-C. et elle a prospéré en tant que centre religieux et culturel et havre de paix exempt de taxes.Stavropolis [Archeology Magazine janvier/février 1990 ; Dora Jane Hamblin, Smithsonian, Kena T. Erim, National Geographic, juin 1972].
L'école de sculpture d'Aphrodisias était l'une des plus célèbres écoles de sculpture de l'Antiquité. Parmi les pièces provocantes conservées aujourd'hui, on trouve des statues d'Aphrodite berçant un enfant comme une mère aimante, d'Hercule faisant onduler ses muscles et d'une femme en pleurs, qui symbolisait la soumission de la ville par Rome. Tout riche noble qui faisait un don à l'école était honoré par une statue, et il existe des statues d'Aphrodisias.Il y en a beaucoup, ainsi que de magnifiques frises et sarcophages, au musée.
L'école de sculpture d'Aphrodisias a prospéré pendant 600 ans, et le marbre de haute qualité utilisé pour les sculptures se trouvait en abondance dans des carrières situées à quelques kilomètres de là. Les sculpteurs, selon certains spécialistes, étaient les premiers véritables artistes du monde, c'est-à-dire qu'ils ne se contentaient pas de copier d'autres statues comme de nombreux sculpteurs grecs et romains, mais réalisaient des créations uniques.
Aphrodisias est située au milieu de montagnes sèches et broussailleuses, à une altitude de 2000 pieds. Parmi les trésors découverts ici, on trouve une mosaïque de lions et de serpents et un ensemble impressionnant de statues de personnages de la mythologie gréco-romaine, de centaures, de héros troyens et d'empereurs romains. Il y a tellement de choses que des expressions comme "un embarras de richesses" ont été utilisées pour décrire la jetée, qui dépasse de loin ce que l'on peut trouver à l'époque.que le musée peut contenir.
Dans l'Antiquité, les bâtiments publics étaient ornés de frises et de statues. Les thermes romains que l'on peut voir aujourd'hui comportaient trois bassins : le "frigidarium", le "teoidarium" et le "calidarium", chauffé par des fourneaux alimentés par des esclaves. À côté des bains, dans les palaetras (essentiellement un club de santé), les riches Romains faisaient du jogging, soulevaient des poids et jouaient au handball.La rivière Maeander, qui est à l'origine du mot "méandre", se trouve à proximité et fournit de l'eau pour les bains.
Dans l'amphithéâtre de marbre de 8000 places, les spectateurs voyaient des acteurs masqués et vêtus jouer des drames sur des esclaves conspirateurs et des épouses à deux. Lorsque le spectacle était terminé, le public n'avait pas le droit de sortir par une porte appelée le "vomitorium". Dans l'hippodrome de 760 pieds de long, l'un des plus longs jamais découverts, les spectateurs encourageaient les gladiateurs qui se battaient contre des loups et des ours et regardaient les chars faire des tonneaux sur le sol.Dans l'agora, les clients achetaient des marchandises à des prix fixés par le gouvernement romain. Dans le temple d'Aphrodite, les femmes se prostituaient et se coupaient les cheveux pour honorer la déesse grecque. Le temple a été construit au 1er siècle avant J.-C. et transformé en basilique chrétienne au 5e siècle après J.-C. Aujourd'hui, on peut voir des murs effondrés et 14 murs en ruine.colonnes corinthiennes debout.
Statues romaines de coureurs
trouvée à Herculanum "Selon le Metropolitan Museum of Art : "Au début de la République romaine, les principaux types d'exposition de statues étaient les divinités enchâssées dans les temples et d'autres images de dieux prises comme butin de guerre des communautés voisines que Rome combattait. Ces dernières étaient exposées dans les espaces publics aux côtés des portraits commémoratifs. Le portrait romain a donné lieu à deux grands types d'exposition.innovations sculpturales : le "vérisme" et le buste-portrait. Tous deux trouvent probablement leur origine dans les pratiques funéraires de la noblesse romaine, qui exposait les masques mortuaires de ses ancêtres chez elle, dans son atrium, et les faisait défiler dans la ville les jours de fête. À l'origine, seuls les élus et les anciens élus avaient l'honneur de voir leurs statues-portraits occuper l'espace public. Comme c'est le cas aujourd'hui, le buste-portrait n'est pas un objet de culte.Il ressort clairement de nombreuses inscriptions accompagnant les statues-portraits, qui affirment qu'elles doivent être érigées dans des endroits bien en vue, que l'emplacement était d'une importance cruciale. Les bâtiments municipaux, tels que les maisons du conseil et les bibliothèques publiques, étaient des lieux d'exposition enviables. Les statues des personnes les plus estimées étaient exposées près de la rostra ou de l'estrade des orateurs dans le Forum romain. En plus des statues contemporainesSource : Marden Nichols, Département d'art grec et romain, Metropolitan Museum of Art, avril 2010, metmuseum.org.
"À partir du troisième siècle avant J.-C., les généraux romains victorieux lors de la conquête de la Grande-Grèce (l'Italie méridionale et la Sicile actuelles) et de l'Orient grec ont ramené avec eux non seulement des œuvres d'art, mais aussi des environnements architecturaux hellénistiques élaborés qu'ils souhaitaient imiter.À la fin de la République, les statues ornent les basiliques, les sanctuaires, les temples, les théâtres et les thermes. À mesure que les individus s'enrichissent grâce aux conquêtes et à l'empire, les statues deviennent également un moyen important de transmettre la richesse et le raffinement dans la sphère privée : les sculptures remplissent les jardins et les portiques.Les vues fantastiques dépeintes dans les luxueuses peintures murales domestiques comprenaient également des images de statues. \^/
Livia, la femme d'August
"Après la transition de la république à l'empire, la possibilité d'entreprendre des projets de construction publique à grande échelle dans la ville de Rome était pratiquement limitée aux membres de la famille impériale. Auguste, cependant, a lancé un programme de construction qui a créé beaucoup plus d'emplacements pour l'exposition de statues. Dans le Forum d'Auguste, les héros historiques de la République apparaissaient aux côtés de ceux de la famille impériale.Des représentations d'Auguste et de ses ancêtres humains, légendaires et divins. Auguste a diffusé sa propre image dans une mesure inimaginable auparavant, par le biais de statues et de bustes officiels, ainsi que d'images sur les pièces de monnaie. Les statues d'Auguste et des empereurs suivants ont été copiées et exposées dans tout l'empire. Les citoyens fortunés ont incorporé les caractéristiques du portrait impérial dans les statues deLes gouverneurs romains étaient honorés par des statues-portraits dans les villes et les sanctuaires de province. Cependant, les portraits les plus nombreux et les plus raffinés qui subsistent de la période impériale représentent les empereurs et leurs familles.
L'image d'une "forêt" de statues ou d'une deuxième "population" au sein de la ville, le nombre de statues exposées dans la Rome impériale dépasse de loin tout ce qui a été vu auparavant ou depuis. De nombreux types de statues utilisées dans la décoration romaine sont familiers du passé grec et hellénistique : il s'agit de portraits de rois hellénistiques et d'intellectuels grecs, ainsi que de statues dites "idéales" ou "idéalisantes".La relation de ces statues avec les modèles grecs varie d'une œuvre à l'autre. Un certain nombre de celles qui sont exposées dans des lieux prestigieux de Rome sont des chefs-d'œuvre grecs transplantés, comme la Vénus sculptée par Praxitèle au IVe siècle avant J.-C. pour les habitants de l'île grecque de Cos, qui a été installée dans le palais de Rome.Le plus souvent, cependant, le rapport à l'original est soit une copie proche, soit une adaptation éclectique et inventive. Certaines de ces copies et adaptations étaient des importations authentiques, mais beaucoup d'autres étaient fabriquées localement par des artisans étrangers, principalement grecs. Un moyen d'exposition très caractéristique de l'empire romain était leLa disposition des statues dans des niches étagées ornant les bâtiments publics, y compris les thermes, les théâtres et les amphithéâtres. Plusieurs des plus impressionnantes présentations statuaires qui subsistent proviennent de façades ornementales construites dans les provinces orientales (Bibliothèque de Celse, Éphèse, Turquie). Soutenues par la richesse provenant du pourtour méditerranéen, les familles impériales ont établi leur propre culture de palais quia ensuite été imité par les rois et les empereurs dans toute l'Europe. Le spectacle statuaire à l'intérieur d'une grotte servant de salle à manger d'été au palais de Tibère à Sperlonga, sur la côte sud de l'Italie, est un exemple des somptueuses sculptures qui décoraient les résidences impériales. Les visiteurs de cette grotte étaient confrontés à une vue panoramique de groupes de statues en taille réelle reconstituant des épisodes de l'histoire de l'humanité.Les voyages légendaires d'Ulysse." \^^/
Selon le Metropolitan Museum of Art : "Lorsque la sculpture romaine en marbre a été redécouverte à la Renaissance, elle a émergé de plus d'un millénaire d'enfouissement, essentiellement dépourvue de son ancienne polychromie. L'aspect monochrome de ces œuvres a donné naissance à de nouveaux canons modernes de la sculpture, caractérisés par l'accent mis sur la forme et le peu d'importance accordé à la couleur. Dans l'Antiquité, cependant, les artistes grecs et italiens de l'époque de la Renaissance ont fait preuve d'une grande créativité.À l'origine, la sculpture romaine était richement ornée de peintures colorées, de dorures, d'argentures et d'incrustations. Cette polychromie, qui faisait partie intégrante de la signification et de l'immédiateté de ces œuvres, a été en grande partie perdue lors de l'enfouissement et ne subsiste aujourd'hui qu'à l'état de fragments [Source : Mark B. Abbe, Sherman Fairchild Center for Objects Conservation, Metropolitan Museum of Art, avril 2007, metmuseum.org].
Empereur Dioclétien "Les représentations de la statuaire dans les peintures murales romaines donnent une indication de leurs diverses apparences dans l'Antiquité. Certaines sculptures en marbre étaient entièrement peintes et dorées, masquant efficacement la surface du marbre ; d'autres avaient une polychromie plus limitée et sélective utilisée pour mettre en valeur des détails tels que les cheveux, les yeux et les lèvres et les attributs qui les accompagnent. \^/
"Les artistes romains ont utilisé un large éventail de pigments, de supports de peinture et d'applications de surface pour embellir leurs sculptures en marbre. Les auteurs antiques, notamment Pline l'Ancien et Vitruve, fournissent des informations importantes sur ces matériaux et expriment une grande admiration pour la technique virtuose des sculpteurs contemporains qui ont développé un raffinement technique sans équivalent dans l'Antiquité classique." BlancsLe marbre lui-même était prisé pour sa translucidité brillante, sa capacité à supporter des détails finement sculptés et son uniformité sans faille. Un vaste éventail de marbres colorés et d'autres pierres étaient également extraits de tout le monde romain pour créer de nombreuses statues colorées à l'apparence souvent éblouissante. \^/
"Les sépultures, les pratiques de restauration des débuts de l'ère moderne et les méthodes de nettoyage historiques ont toutes réduit la polychromie des sculptures romaines en marbre. De nombreuses œuvres conservent cependant des traces importantes de leur décoration polychrome d'origine. Ces vestiges sont inévitablement fragmentaires et se sont altérés au fil du temps, ce qui rend difficile de reconstituer avec certitude leur apparence exacte dans l'Antiquité. Néanmoins,Grâce à une multitude de techniques - dont l'examen microscopique, la photographie à l'ultraviolet et à l'infrarouge, et différents types d'analyse des matériaux - il est possible d'obtenir des informations précieuses sur l'aspect original de ces œuvres d'art anciennes.
Selon le Metropolitan Museum of Art : "À la fin du quatrième siècle avant J.-C., les Romains ont entamé une politique d'expansion qui, en 300 ans, a fait d'eux les maîtres du monde méditerranéen. Impressionnés par la richesse, la culture et la beauté des cités grecques, les généraux victorieux revenaient à Rome avec un butin comprenant des œuvres d'art de tous types. Bientôt, les Romains éduqués et riches souhaitaient des œuvres d'artqui évoquaient la culture grecque. Pour répondre à cette demande, les artistes grecs et romains ont créé des copies en marbre et en bronze des célèbres statues grecques. Les moules prélevés sur les sculptures originales étaient utilisés pour fabriquer des moulages en plâtre qui pouvaient être expédiés dans des ateliers situés n'importe où dans l'empire romain, où ils étaient ensuite reproduits en marbre ou en bronze. Les artistes utilisaient des moulages en plâtre creux pour produire des répliques en bronze. Le plâtre massifLes copies en marbre n'ayant pas la résistance à la traction du bronze, elles nécessitaient des supports, souvent sculptés en forme de troncs d'arbres, de personnages ou d'autres types d'images. [Source : Département d'art grec et romain, Metropolitan Museum of Art, octobre 2002, metmuseum.org].
Copie romaine d'une statue grecque d'Artémis du 4ème siècle
"Bien que de nombreuses sculptures romaines soient purement romaines dans leur conception, d'autres sont des copies exactes soigneusement mesurées de statues grecques, ou des variantes de prototypes grecs adaptées au goût du mécène romain. Certaines sculptures romaines sont un pastiche de plus d'un original grec, d'autres combinent l'image d'un dieu ou d'un athlète grec avec une tête de portrait romain. La signification de la statue grecque originale.Au deuxième siècle de notre ère, la demande de copies de statues grecques était énorme : outre leur popularité domestique, les nombreux monuments publics, théâtres et bains publics de l'empire romain étaient décorés de niches remplies de statues de marbre et de bronze.
"Comme la plupart des statues de bronze antiques ont été perdues ou ont été fondues pour réutiliser le précieux métal, les copies romaines en marbre et en bronze constituent souvent notre première preuve visuelle des chefs-d'œuvre des célèbres sculpteurs grecs." \^//
Le "Gaulois mourant" est l'une des sculptures romaines antiques les plus célèbres et les plus copiées. Créée au premier ou au deuxième siècle de notre ère, cette statue plus grande que nature est probablement une réplique romaine d'un bronze grec antérieur. Elle n'a quitté l'Italie que deux fois : en 1797, lorsque les forces napoléoniennes l'ont emmenée à Paris, où elle a été exposée au Louvre jusqu'à son retour à Rome en 1816, et en 2013, lorsqu'elle a été remise à la Commission européenne.exposée à la National Gallery of Art de Washington D.C.
Philip Kennicott a écrit dans le Washington Post : "Il existe peu de statues plus célèbres que le Gaulois mourant, et encore moins qui peuvent égaler sa puissance émotionnelle. Elle représente un jeune homme aux cheveux épais et emmêlés, allongé sur le sol, soutenant son torse légèrement tourné avec un bras droit musclé. Une petite fente dans sa poitrine et quelques gouttes de sang nous indiquent qu'il est en train de mourir, et beaucoup de gens voient sur son torse inclinéPendant de nombreuses années après la découverte de la statue au début du XVIIe siècle, le personnage a été identifié comme un gladiateur mourant. Mais divers indices, notamment un collier ou un torque moulant et des références dans Pline l'Ancien (l'auteur romain) à des statues représentant les Gaulois vaincus, amènent la plupart des spécialistes à conclure qu'il s'agit d'un membre de la lointaine tribu qui a harcelé les gaulois.Les empires méditerranéens, des Grecs aux Romains [Source : Philip Kennicott, Washington Post, 12 décembre 2013, Philip Kennicott est le critique d'art et d'architecture du Washington Post, lauréat du prix Pulitzer].
"L'original grec, si le consensus scientifique est correct, a été installé dans un sanctuaire consacré à Athéna, dans le petit mais ambitieux royaume de Pergame (aujourd'hui en Turquie) au cours du troisième siècle avant J.-C. Les rois attalides de Pergame étaient une bande de nobles travailleurs qui ont réussi à revendiquer un morceau du vaste mais éphémère empire d'Alexandre le Grand. Un peu comme les États arabes du GolfeAujourd'hui, ils utilisaient l'art pour asseoir leur prestige international, et Pergame devint une merveille d'excès architecturaux grandiloquents. Plus tard, ils furent absorbés par Rome, mais pas avant d'avoir défini ce que l'on appelle encore aujourd'hui le style pergaménien, qui mettait l'accent sur l'attrait émotionnel et une volatilité presque baroque. Rien ne définit ce style aussi clairement que le Gaulois mourant, qui est à la fois tragique et sensuel, qui tire à la foisnotre désir et notre sens de la compassion.
La Gaule mourante
"Presque tous les livres sur la sculpture antique contiennent une photographie de la statue, qui est conservée au musée du Capitole à Rome. Mais les photographies ne donnent qu'une idée minimale de l'œuvre. La posture du jeune homme est fermée, son visage est tourné vers le bas, son torse est tordu, son bras gauche traverse ses reins pour saisir sa cuisse droite. Son corps allongé définit un espace, dans lequel il semble regarder fixement, comme si ses yeux étaient en train de se poser sur le sol.Les photographies ne rendent pas non plus clairement l'épée (qui a fait l'objet d'une restauration ultérieure) et la trompette sur le sol à côté de lui, ni les curieuses incisions circulaires et le pentagramme près d'un de ses pieds, qui déconcertent les spécialistes d'aujourd'hui. Elles ne rendent pas non plus les petits détails de sa perfection physique, les veines de ses bras, le léger pli de la peau...Après avoir été découverte, la statue est rapidement devenue un modèle pour les artistes de toute l'Europe. Les autocrates ont commandé des répliques, de petites reproductions en bronze ont circulé parmi les collectionneurs, et les artistes l'ont étudiée, peinte et imitée. Thomas Jefferson voulait l'avoir, ou une reproduction de celle-ci, pour une galerie d'art qu'il avait prévue mais n'a jamais vu le jour.Mais nous en savons plus sur son influence et sa vie en tant que trésor antique que sur ce qu'il représente, son auteur et la façon dont il a été reçu par son public d'origine. Certains chercheurs pensent qu'il ne s'agit peut-être pas du tout d'une reproduction romaine, mais d'un original grec. D'autres, notamment les auteurs de l'Oxford History of Classical Art, se demandent si la brève référence de Pline à l'histoire de l'art classique n'est pas une erreur.fait référence à ce travail.
"Les données relatives à la provenance de la statue sont nombreuses mais peu concluantes : il existe à Pergame des socles vides pour des statues qui pourraient accueillir une statue de cette taille ; Pline fait référence aux Gaulois et aux rois attalides qui les ont vaincus (" Plusieurs artistes ont représenté les batailles livrées par Attalus et Eumène aux Galli "), et à Néron, qui a fait venir des œuvres de Pergame pour les présenter à l'Assemblée.Je trouve difficile de rejeter Pline", déclare Susan Arensberg, conservatrice de la National Gallery, qui a organisé l'exposition du côté américain. Si l'on ajoute à cela l'intérêt particulier des Romains pour les Gaulois, qui les ont occupés sur les champs de bataille pendant des siècles, il est facile d'accepter le récit standard.personne ne saura jamais si le jeune homme devait faire appel à un ancien sentiment de pitié, de sadisme ou de triomphalisme suffisant.
"Il est tentant, étant donné sa beauté, de supposer que la pitié faisait au moins partie du mélange. La saveur particulière de cette pitié, que l'on entend aussi dans des pièces comme "Les Perses" d'Eschyle, qui humanise un ennemi vaincu mais dangereux, est le plus souvent étrangère au public contemporain. Ce qui s'en rapproche le plus, ce sont les vers énigmatiques du poète Wilfrid Owen, qui est mort pendant la Première Guerre mondiale."Je suis l'ennemi que tu as tué, mon ami", a écrit Owen, un sentiment prêt à être projeté sur cette statue mystérieuse mais profondément belle."
Le groupe Laocoon, également appelé Laocoön et ses fils, représente un père et deux fils luttant pour se défaire de l'emprise de serpents géants. La statue, vieille de 2000 ans, représente le châtiment infligé à un prêtre qui avait averti les Troyens de se méfier des Grecs porteurs de cadeaux. Bien qu'il soit en général en excellent état pour une sculpture exhumée, il manque plusieurs parties au groupe, et l'analyse a permis d'établir qu'il s'agit d'une sculpture de l'époque.Il est exposé au Musée Pio-Clementino, qui fait partie des Musées du Vatican, et a été remanié dans l'Antiquité et a subi plusieurs restaurations depuis sa mise au jour.
Laocoön Group
Le groupe de Laocoön est l'une des sculptures antiques les plus célèbres depuis qu'il a été mis au jour à Rome en 1506. Il s'agit très probablement de la même statue dont le principal écrivain romain spécialiste de l'art, Pline l'Ancien, a fait les plus grands éloges. Les personnages sont presque grandeur nature et le groupe mesure un peu plus de 2 m de haut. Il représente le prêtre troyen Laocoön et ses fils Antiphantes et Thymbraeus en train de se faire tuer.attaqué par des serpents de mer. [Source : Wikipedia +]
Le groupe a été appelé "l'icône prototypique de l'agonie humaine" dans l'art occidental[4] et, contrairement à l'agonie souvent représentée dans l'art chrétien montrant la Passion de Jésus et les martyrs, cette souffrance n'a pas de pouvoir rédempteur ou de récompense. La souffrance est montrée à travers les expressions contorsionnées des visages (Charles Darwin a fait remarquer que les sourcils bombés de Laocoön sont physiologiquement impossibles), quisont égalés par les corps qui se débattent, en particulier celui de Laocoön lui-même, dont chaque partie du corps est tendue. +
Pline attribue l'œuvre, qui se trouvait alors dans le palais de l'empereur Titus, à trois sculpteurs grecs de l'île de Rhodes : Agesander, Athenodoros et Polydorus, mais ne donne ni date ni commanditaire. Par son style, elle est considérée comme "l'un des plus beaux exemples du baroque hellénistique" et s'inscrit certainement dans la tradition grecque, mais on ne sait pas s'il s'agit d'une œuvre originale ou d'une copie d'une sculpture antérieure,L'opinion selon laquelle il s'agit d'une œuvre originale du IIe siècle avant J.-C. n'a plus guère de partisans, bien que beaucoup la considèrent encore comme une copie d'une œuvre de ce type réalisée au début de la période impériale, probablement à partir d'un original en bronze. D'autres la considèrent comme une œuvre originale de la période postérieure, continuant à utiliser le style de Pergame d'environ deux siècles.Dans les deux cas, elle a probablement été commandée pour la maison d'un riche Romain, probablement de la famille impériale. Plusieurs dates ont été suggérées pour la statue, allant d'environ 200 avant J.-C. aux années 70 après J.-C., bien qu'une date julio-claudienne - entre 27 avant J.-C. et 68 après J.-C. - soit maintenant préférée.
Selon le Metropolitan Museum of Art, le portrait romain se retrouve sur "une variété de supports, en particulier la sculpture et les pièces de monnaie, mais aussi les pierres précieuses, le verre et la peinture". Cette grande diversité de supports reflète les divers usages, tant publics que privés, pour lesquels les Romains créaient leurs portraits. Le portrait romain est également unique par rapport à celui d'autres cultures antiques en raison des éléments suivantsSource : Rosemarie Trentinella, Département d'art grec et romain, Metropolitan Museum of Art, octobre 2003, metmuseum.org].
Jules César
Les autels funéraires et les structures des tombes étaient ornés de portraits en relief des défunts accompagnés de courtes inscriptions sur leur famille ou leurs mécènes, et les bustes accompagnaient les urnes cinéraires déposées dans les niches des grandes tombes communes appelées columbariums. Ce contexte funéraire pour la sculpture de portraitsCes masques, portraits d'ancêtres célèbres qui avaient exercé des fonctions publiques ou reçu des honneurs particuliers, étaient fièrement conservés dans le lararium de la maison, ou sanctuaire familial, avec des bustes en bronze, en marbre ou en pierre de taille.En exposant ces portraits de manière aussi visible dans la sphère publique, les familles aristocratiques ont pu célébrer leur histoire de service public tout en honorant leurs proches décédés. \^//
"Dans la République, la sculpture publique comprenait des statues-portraits honorifiques de responsables politiques ou de commandants militaires érigées sur l'ordre de leurs pairs au Sénat. Ces statues étaient généralement érigées pour célébrer un exploit militaire remarquable, généralement lié à un triomphe officiel, ou pour commémorer une réalisation politique digne d'intérêt, comme la rédaction d'un traité. Une statue dédicatoireUne inscription, appelée cursus honorum, détaillait les honneurs et les accomplissements de la vie du sujet, ainsi que sa lignée et ses ancêtres notables. Ces inscriptions accompagnaient généralement les portraits publics et constituaient un élément de commémoration spécifiquement romain. \^/
"La mention expresse de l'histoire familiale du sujet reflète la grande influence de l'histoire familiale sur la carrière politique d'un Romain. Les Romains croyaient que l'ascendance était le meilleur indicateur des capacités d'un homme, et donc si vous étiez le descendant de grands commandants militaires, alors vous aussi aviez le potentiel d'en être un. L'intense rivalité politique de la fin de la période républicaine a donné à l'histoire de la famille de l'homme une grande importance.L'exposition de la lignée avait une signification particulière et nécessitait donc d'être mise en avant, dans des traditions telles que le cursus, les images de cire et les processions funéraires, comme un facteur essentiel de réussite.
Caligula
"Avec l'instauration du système du principat sous Auguste, la famille impériale et son entourage ont rapidement monopolisé la statuaire publique officielle. Les portraits officiels de l'empereur étaient principalement exposés dans les sebasteia, ou temples du culte impérial, et étaient soigneusement conçus pour projeter des idées spécifiques sur l'empereur, sa famille et son autorité. Ces sculptures étaient extrêmement utiles.Deux des supports les plus influents et les plus largement diffusés pour les portraits impériaux étaient les pièces de monnaie et les sculptures, et les types officiels chargés d'une connotation propagandiste étaient dispersés dans tout l'empire pour annoncer et identifier l'autorité impériale. Les spécialistes pensent que les types de portraits officiels ont été créés dans les pays suivantsLes pièces de monnaie, de par leur nature même, sont facilement et rapidement dispersées, atteignant d'innombrables citoyens et résidents provinciaux, ce qui permet à l'image de l'empereur d'être vue et à son pouvoir d'être perçu.reconnu par les gens de tout le vaste empire. \^/
"À l'inverse, dans le cas des "mauvais" empereurs tels que Néron et Domitien, dont les règnes ont été caractérisés par un comportement destructeur et qui ont été condamnés à titre posthume par le Sénat, les portraits impériaux ont parfois été recyclés, voire détruits. Les effets typiques d'une damnatio memoriae, terme moderne désignant la dénonciation la plus sévère, comprenaient l'effacement du nom d'un individu dans les registres publics.Les portraits impériaux des " mauvais " empereurs étaient également retirés de la vue du public et entreposés, souvent recyclés par la suite en portraits de particuliers ou d'empereurs des décennies suivantes. Un portrait retaillé est relativement facile à reconnaître ; certains traits, tels qu'une ligne de cheveux disproportionnée ou une forme inhabituelle de la chevelure, sont facilement identifiables.les oreilles aplaties sont des signes typiques de la modification d'un buste à partir d'une ressemblance antérieure."
Chaque étape de l'art du portrait romain peut être décrite comme étant alternativement "vériste" ou "classique", chaque dynastie impériale cherchant à mettre en valeur certains aspects de la représentation afin de légitimer son autorité.Ces étapes stylistiques ont joué l'une sur l'autre tout en poussant le médium vers de futures innovations artistiques. [Source : Rosemarie Trentinella, Département d'art grec et romain, Metropolitan Museum of Art, octobre 2003, metmuseum.org].
Tiberius
"Dans la République, les traits de caractère les plus appréciés étaient le dévouement au service public et les prouesses militaires, et les citoyens républicains cherchaient donc à projeter ces idéaux à travers leur représentation dans le portrait. Les fonctionnaires commandaient des bustes qui reflétaient chaque ride et imperfection de la peau, et des statues héroïques en pied souvent composées de corps génériques sur lesquelsDes têtes de portrait réalistes, dites "véristes", étaient attachées. L'effet global de ce style donnait aux idéaux républicains une forme physique et présentait une image que le sitter voulait exprimer. \^/
"Le type de portrait officiel d'Auguste, diffusé dans tout l'empire, associait l'idéalisation héroïque de l'art hellénistique aux idées républicaines sur la ressemblance individuelle pour produire un tout nouveau schéma de portrait.Les types de portraits augustes et julio-claudiens mettaient l'accent sur la jeunesse, la beauté et la bienveillance de la nouvelle famille dynastique et, ce faisant, Auguste a créé un précédent stylistique qui a eu un impact durable sur la sculpture de portrait romaine jusqu'au règne de Constantin le Grand. \^/
"L'idéalisation classique dans le portrait permettait aux empereurs de souligner leur loyauté envers la dynastie impériale, et même de légitimer leur autorité en se liant visuellement à leurs prédécesseurs. Tibère (r. 14-37 ap. J.-C.) n'était en fait pas apparenté à Auguste, mais ses portraits dépeignent une ressemblance remarquable, et romancée, qui le reliait au princeps et contribuait à justifier son statut d'empereur.Même le successeur de Tibère, Caligula (r. 37-41 ap. J.-C.), qui n'avait aucun intérêt à poursuivre les idéaux administratifs d'Auguste et était bien plus préoccupé par la promotion de son propre agenda, a suivi la tradition des portraits augustes et tibériens, avec des traits classiques et idéalisés qui présentaient un fort air de famille. Cependant, sous le règne de l'empereur Claude (r. 41-54 ap. J.-C.),un changement de l'atmosphère politique favorise un retour aux normes républicaines et influence ainsi les styles artistiques. Les portraits de Claude reflètent son âge croissant et ressemblent fortement aux portraits véristes de la République. Cette tendance au réalisme finit par aboutir aux styles caractéristiques de la deuxième dynastie impériale : les Flaviens. \^/
Marcus Aurelius
"Les turbulences de l'année 68/69 après J.-C., qui ont vu l'ascension et la chute de trois empereurs différents, ont entraîné des changements radicaux dans l'art du portrait romain, caractérisés par un retour à une représentation vériste qui mettait l'accent sur leurs forces militaires. Les portraits de Vespasien (r. 69-79 après J.-C.), le fondateur de la dynastie flavienne, le montrent également de manière non idéalisée. Pendant l'ère flavienne, les sculpteursa également réalisé de remarquables avancées techniques, notamment une utilisation révolutionnaire de la perceuse, et les portraits féminins de l'époque sont réputés pour leurs coiffures élaborées en tire-bouchon. \^//
"Le cycle se poursuit avec les portraits de Trajan (r. 98-117 ap. J.-C.), qui veut souligner les liens symboliques avec Auguste et adopte donc un type de portrait sans âge et quelque peu idéalisé, très différent de celui des Flaviens. Son successeur Hadrien (r. 117-38 ap. J.-C.) va cependant plus loin et est noté comme étant le premier empereur à adopter l'habitude grecque de porter une barbe. Le texteL'interaction qui s'est développée dans le traitement de la coiffure des femmes flaviennes est désormais mieux explorée dans le portrait masculin, et les bustes de la période hadrianique se reconnaissent à une chevelure bouclée complète ainsi qu'à la présence d'une barbe. Les Antonins ont modelé leurs portraits d'après Hadrien, et ont souligné leurs ressemblances familiales (fictives) avec lui en se faisant dépeindre comme ne vieillissant jamais,Le développement continu des styles de portraits romains a été stimulé par l'empereur philosophe Marc Aurèle (r. 161-80 ap. J.-C.) et son fils Commode (r. 177-92 ap. J.-C.), dont les portraits présentent de nouveaux niveaux d'expression psychologique qui reflètent les changements non seulement dans l'état physique des empereurs mais aussi dans leur état mental. Ces incarnations physiques de la personnalité et de l'émotionCette expression atteint plus tard sa pleine réalisation dans les portraits de l'empereur sévérien Caracalla (r. 211-17 A.D.). \^^/
"En contraste avec les boucles complètes typiques des portraits d'Hadrien et d'Antonin, Caracalla est représenté avec une barbe et une coiffure courtes et militaires, qui ont été pointillées sur la surface du marbre pour obtenir un effet de "coupe au ras du sol", également appelé "sculpture négative".On attribue à ce type de portrait un effet profond sur le portrait impérial dans les années turbulentes qui ont suivi son règne, et de nombreux empereurs-soldats du IIIe siècle ont cherché à légitimer leur montée en puissance en s'alignant stylistiquement sur Caracalla. Au fil du temps, ces aspects stylisés sont devenus de plus en plus importants, et bientôt une attention prononcée a été accordée à l'image de Caracalla.à la géométrie et à l'anxiété émotionnelle imprégnaient les sculptures de portraits impériaux, comme en témoigne la statue en bronze de Trebonianus Gallus. \^/
Constantine
"Cette dépendance croissante à l'égard de la symétrie géométrique et de l'abstraction a contribué à l'élaboration du portrait très particulier utilisé par la tétrarchie, un système de gouvernement impérial fondé sur l'indivisibilité et l'autorité homogène partagée par quatre co-empereurs.Ce message visait à apaiser les craintes et les angoisses nées d'années de luttes civiles et d'empereurs éphémères, et donc, dans cet exemple extrême, le portrait de la tétrarchie ne peut être défini comme la représentation d'individus, mais plutôt comme l'image fabriquée de leur système politique révolutionnaire. \^/
"Le portrait de Constantin le Grand, qui vainquit ses rivaux pour devenir l'unique empereur en 326 après J.-C., est unique dans sa combinaison d'abstraction du IIIe siècle et de renouveau classique néo-augustéen et néo-trajanais. Constantin favorisait la succession dynastique et utilisait les précédents homogènes de ses prédécesseurs pour présenter ses fils comme ses héritiers apparents.Il se dissocie également des tétrarques et des empereurs-soldats en se faisant représenter jeune et serein, rappelant l'idéalisme classique des portraits augustéens et julio-claudiens. De cette façon, le portrait de Constantin résume l'image de l'empereur Trajan.tradition artistique romaine d'émulation et d'innovation, et a eu à son tour un grand impact sur le développement de l'art byzantin".
Les pièces de monnaie étaient une sorte de petit bas-relief. Nous avons une idée de l'apparence de nombreux Romains célèbres grâce à leur portrait sur les pièces de monnaie. Des pièces de monnaie romaines ont été retrouvées dans toute l'Asie et des pièces de monnaie chinoises anciennes ont été trouvées à Rome.
À plus grande échelle, la colonne de Trajan (aux Fori Imperiali), une structure de 125 pieds de haut avec une scène en spirale des guerres daciennes dans les Balkans qui, si elle était déroulée, mesurerait 656 pieds de long. Construite et inscrite entre 106 et 113 après J.-C., la colonne était autrefois surmontée d'une statue de Trajan, dont les cendres et celles de sa femme sont enterrées sous sa base. À l'origine, elle devait être surmontée d'un aigle.La statue de Trajan a été détruite au Moyen Âge.
Pour suivre le récit de la bataille épique, il faut faire le tour de la colonne comme un "cheval de cirque", selon l'expression d'un érudit. Même si les sculptures du haut sont plus grandes que celles du bas, il est difficile de les distinguer. Les personnages étaient à l'origine peints de couleurs vives et possédaient des armes en métal, tandis que le cheval avait un harnais en métal.
Il y a au total 150 scènes distinctes, la plus intéressante étant peut-être celle qui montre l'armée romaine traversant le Danube sur un célèbre pont. L'attention est davantage portée sur la logistique de la bataille que sur les combats eux-mêmes.
Les scènes montrent l'interrogatoire des prisonniers, le prélèvement du butin et enfin le suicide du chef dace poursuivi par la cavalerie romaine. Selon les images, les prisonniers daces sont traités décemment après leur capture, tandis que les prisonniers de guerre romains sont torturés par des femmes daces.
Le musée du Capitole à Rome (situé sur la colline du Capitole) est surtout connu pour ses sculptures grecques et romaines et sa collection de vases, de sculptures et de sarcophages étrusques. La pièce la plus intéressante du musée est un célèbre bronze étrusque représentant une louve aux yeux fous se faisant allaiter par des représentations Renaissance de Romulus et Remus qui ont été ajoutées à la statue au 15e siècle.
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Le musée du Capitole abrite quelques-unes des sculptures les plus célèbres de Rome, dont une copie en marbre de la célèbre statue de la Gaule mourante du IIIe siècle avant J.-C., du "Satyre au repos" (qui a inspiré le "Faune de marbre" de Hawthorne) et de la "Venus Prudens". Dans le Palazzo dei Conservatori, vous pouvez voir la tête et le pied de Constantin le Grand, hauts de deux mètres et aux yeux globuleux, son pied tout aussi grand et les statues d'une femme à la queue bouclée.coupe de cheveux, et un patricien romain portant les têtes de ses ancêtres.
Le Musée delle Terme à Rome présente deux des sculptures les plus célèbres de l'art gréco-romain : une copie en marbre du lanceur de disque (image étroitement associée aux Jeux olympiques) et la Niobide mourante (450-440 av. J.-C.). Cette dernière représente une femme qui, selon la légende, se vantait d'avoir quatorze enfants et humiliait la mère d'Apollon et d'Artémis. Pour se venger, les deux dieux tuèrent tous ses enfants.puis lui a tiré une flèche dans le dos. Dans une tentative frénétique de se retourner pour retirer la flèche, son péplum est tombé. Elle est le premier grand nu féminin de l'art grec.
Le musée Pio Clementine, au Vatican, abrite l'une des meilleures collections au monde de sculptures antiques, provenant pour la plupart de la Rome antique. La sculpture la plus remarquable du musée est le Lacoon, qui représente un père et ses deux fils luttant pour se défaire de l'emprise de serpents géants. La statue, vieille de 2000 ans, représente le châtiment infligé à un prêtre qui avait averti les Troyens de ne pas se battre.méfiez-vous des Grecs qui apportent des cadeaux.
Le Lacoon et l'autre statue la plus célèbre du musée du Vatican - l'Apollon Belvédère - sont situés à l'extérieur, dans une zone protégée autour d'une cour ronde. Décrit par un critique comme "un symbole de tout ce qui est jeune, libre, fort et gracieux", l'Apollon Belvédère glorifie le corps masculin et est très probablement une copie d'un bronze grec réalisé par Léocharès vers 330 avant J.-C. L'original se trouvait autrefois dans l'Agora.L'exemplaire conservé au Vatican est dépourvu de la main gauche et de la majeure partie du bras. Les spécialistes pensent que la main droite tenait un carquois et la main gauche un arc. L'élégant manteau est toujours en place. Premier objet de la collection du Vatican, l'Apollon Belvédère est resté quatre siècles dans une niche de la cour octogonale jusqu'à ce qu'il soit pris par l'armée de Napoléon en 1798 et conservé à Paris jusqu'en 1816,Pendant plusieurs siècles, elle a été recouverte d'une feuille de figuier sur ses parties intimes. D'autres œuvres méritent d'être visitées, comme la sculpture "Aphrodite des Cnidies", le sarcophage rouge de Sainte Hélène (mère de Constantin), et deux salles remplies de sculptures d'animaux. Un couloir de 25 mètres de long contient plusieurs pièces de sculpture romaine. Il vaut la peine de vérifier les coiffures et les visages pour se faire une idée de ce qu'est l'art romain.une idée de ce à quoi ressemblaient les gens dans la Rome antique.
Sculpture étrusque Le Musée national romain (Palazzo Massimo, à quelques rues de la gare Termini) possède une vaste collection de mosaïques, de peintures murales, de sculptures et de pièces de monnaie. Situé à l'intérieur d'une villa rose de style néo-Renaissance du XIXe siècle, il comprend une salle à manger ornée de fresques représentant Livia Drusilla, l'épouse cruelle de l'empereur Auguste dont il est question dans le roman "I Claudius" de Robert Graves, et quatre autres pièces brillamment décorées.Les pièces colorées de la villa impériale connue sous le nom de Villa della Farnesina méritent d'être visitées, comme la statue de Niobid, une statue grecque du Ve siècle qui aurait appartenu à Jules César, des bustes romains, une salle entière de sarcophages romains (certains avec des influences chrétiennes), des mosaïques allant du IIe siècle avant J.-C. au IVe siècle après J.-C., et le Nymphée, une fontaine ornementale du Ier siècle où Néron avait l'habitude de se baigner.se faire plaisir avec ses courtisans.
"Le stuc a une longue histoire dans le monde méditerranéen. Généralement composé de chaux ou de gypse broyés ou brûlés, mélangés à du sable et à de l'eau, le stuc était facilement moulé ou modelé pour former des décorations en relief pour les murs, les plafonds et les sols, à l'intérieur comme à l'extérieur. Le stuc était également très utilisé dans la métallurgie pour former les noyaux des sculptures grecques en bronze et pour mouler les empreintes de bronze.décoration du récipient. [Source : Sarah Lepinski, Département d'art grec et romain, Metropolitan Museum of Art, //www.metmuseum.org/toah/hd/stuc/hd_stuc.htm mars 2012, metmuseum.org \^/]
"Les Grecs anciens utilisaient le plâtre à la chaux en relief sur les murs pour simuler l'architecture monumentale et les Égyptiens utilisaient le stuc de gypse pour les reliefs figuratifs, les sculptures autonomes et d'autres types d'objets. \^//
"Suivant la tradition grecque, le stuc romain utilisait un plâtre de chaux blanche, léger et facile à travailler. Ce type de plâtre était également utilisé dans la peinture à fresque contemporaine, et sa préparation et son application sont décrites en détail par des auteurs anciens tels que Vitruve et Pline l'Ancien. Le stuc a gagné en popularité dans l'Italie de la fin de la République et du début de l'Empire, en raison duBien qu'il ne soit pas aussi connu aujourd'hui que d'autres types de décors romains, il jouait un rôle important dans les espaces intérieurs bien planifiés et exécutés, complétant les compositions peintes, les sols en mosaïque et les assemblages de sculptures avec des éléments architecturaux en saillie et des schémas en relief. \^/
"Les artistes de l'Italie romaine ont créé de vastes ensembles de stucs dans les maisons privées, les tombes et les bâtiments publics, en particulier dans les thermes. Sur les murs, les éléments architecturaux tels que les balustrades, les chapiteaux de colonnes, les pilastres, les colonnes, les corniches et les bordures de frises étaient façonnés en stuc et intégrés dans un ensemble peint. Les éléments en stuc mettaient en valeur les surfaces décoratives bidimensionnelles avec des saillies.Les pièces en haut-relief étaient fixées aux murs à l'aide de tiges métalliques ou de clous. Certaines formes étaient moulées avant d'être fixées aux murs, mais d'autres formes et motifs, tels que les corniches ou les bordures de frise, étaient estampés dans le plâtre semi-sec après avoir été appliqués sur le mur ou le plafond.Les bordures végétales et en forme d'œuf sculptées sur les architectures monumentales, une mode que l'on retrouve également dans les peintures murales romaines contemporaines, notamment celles du second style pompéien. \^/
Le Sculpteur par
Lawrence Alma-Tadema "Les compositions générales des stucs romains sur les plafonds, les arcs voûtés et les lunettes des structures romaines impériales reflètent également les formes architecturales. Influencés par le cadre creux des plafonds à caissons des bâtiments hellénistiques et républicains, qui étaient construits en pierre et en bois, les stucs romains formaient des panneaux encadrés de bordures décoratives estampées et de corniches.Sur les panneaux, les artistes ont modelé des formes végétales, des animaux, des éléments d'armure et des figures mythologiques et imaginaires. Une série de reliefs en stuc du Metropolitan Museum, qui faisaient à l'origine partie d'une grande composition en arc, fournit un exemple frappant d'une première voûte impériale en stuc. Les panneaux représentent des figures uniques qui ont été appliquées à la main après que le fond en stuc blanc ait été partiellement fixé (dans les années 1970).En général, les stucs romains étaient laissés blancs, bien que dans certaines situations les fonds étaient peints). Une empreinte digitale dans le stuc met en évidence la pratique rapide du modelage. Le maniement habile du stuc par l'artiste est apparent dans les différentes hauteurs de relief des figures ainsi que dans les détails ajoutés : les incisions dans le stuc semi-sec soulignent les formes et articulent les figures, les vêtements,et les accessoires ; les trous percés dans le stuc souple indiquent les yeux, les cheveux et les rubans. \^^/
"Les figures représentées sur les panneaux du musée partagent des associations avec Dionysos/Bacchus, dieu du vin et de la prospérité. Une panthère hargneuse se cabre légèrement, un ruban tombant sur son dos. Les figures féminines dansantes tiennent des tambours, des thyrsoi, des guirlandes et une coupe à fruits. Des érotiques flottants tiennent également des thyrsoi et des guirlandes, et l'un d'entre eux porte une corne d'abondance.sur son épaule, tient un lièvre dans la main gauche et un bâton dans la droite. \^/
"La popularité des thèmes dionysiaques dans l'art romain, qui ont été rendus dans divers médias et contextes, reflète les multiples facettes de la divinité dans la culture romaine. Dionysos était lié aux banquets, au théâtre, à la chasse, à l'agriculture et à l'au-delà. Dans un contexte domestique, Dionysos et sa suite transmettent une attitude de vie civilisée dans un environnement opulent. Les panneaux figuratifs évoquent un sens de la vie et de la mort.Ces facettes illustrent la mesure dans laquelle le stuc correspondait thématiquement à d'autres supports décoratifs et comment il augmentait les espaces intérieurs avec un sens de la dimension et un jeu de lumière. Les traditions romaines du stuc se sont poursuivies tout au long de l'antiquité tardive, influençant en partie les traditions sasaniennes et européennes.les traditions islamiques ultérieures, et bien après l'Antiquité, comme en témoignent, par exemple, les traditions de la fin du Moyen Âge et de la Renaissance.
Selon le Metropolitan Museum of Art : "Dans le dernier quart du quatrième siècle avant J.-C., un nouveau répertoire de figurines en terre cuite est apparu sur le marché. Appréciées pour leurs caractéristiques naturalistes, leurs pigments préservés, leur variété et leur charme, ces figurines sont connues sous le nom de Tanagras, du nom du site de Béotie où elles ont été trouvées en grand nombre. La majorité des figurines Tanagra représentent des personnes à la mode.Des femmes ou des jeunes filles, élégamment enveloppées dans de fines himations (manteaux), portant parfois des chapeaux à larges bords et tenant des couronnes ou des éventails. Auparavant, aux Ve et IVe siècles avant J.-C., les statuettes en terre cuite avaient été produites à Athènes essentiellement à des fins religieuses ou comme souvenirs de théâtre. En revanche, le répertoire entièrement nouveau des terres cuites de Tanagra était fondé sur un examen intimede l'univers personnel de femmes et d'enfants mortels, parfois de jeunes hommes, et d'autres personnages, dont on pense qu'ils trouvent leur origine dans la Nouvelle Comédie de Ménandre [Source : Département d'art grec et romain, The Metropolitan Museum of Art, octobre 2004, metmuseum.org].
"La variété des gestes et des détails qui rendent les figurines de Tanagra si attrayantes est due à une méthode de fabrication assez complexe. Comme la plupart des statuettes en terre cuite antérieures, elles ont été formées dans des moules concaves en terre cuite. La figure tridimensionnelle originale dont le moule a été tiré était généralement faite à la main en cire ou en terre cuite, bien que des figurines existantes en terre cuite, en bronze ou en bois aient parfois été fabriquées à la main.De l'argile a été pressée sur ce prototype et, lorsqu'il a légèrement durci, il a été retiré, retouché et cuit au four.
figure de tanagra
"Jusqu'au milieu du IVe siècle avant J.-C., il était d'usage de ne mouler que l'avant de la figurine et d'y fixer un simple dos non modelé ; la statuette creuse était ensuite cuite. Les figurines de Tanagra, cependant, étaient fabriquées dans des moules en deux parties, l'une pour l'avant et l'autre pour l'arrière. Souvent, les têtes et les bras en saillie étaient fabriqués dans des moules séparés et fixés à la statuette avant la cuisson. En variant la direction de l'injection, on pouvait obtenir une statuette en deux parties.Les couronnes, les chapeaux ou les éventails étaient fabriqués à la main et fixés séparément. Une plaque rectangulaire était ajoutée en guise de socle et des évents étaient découpés au dos de chaque statuette pour permettre à l'humidité de l'argile de s'échapper pendant la cuisson. Une pâte blanche, composée d'argile et d'eau, était appliquée sur l'ensemble de la statuette.avant qu'il ne soit tiré.
"Après la cuisson, les figurines de Tanagra étaient vivement colorées de manière naturaliste avec des peintures solubles dans l'eau. Le rouge était utilisé pour les cheveux, les lèvres, les chaussures et les accessoires, et le noir marquait les sourcils, les yeux et d'autres détails. La chair était peinte d'un rose orangé pâle, et un violet rougeâtre à base de garance de rose était souvent utilisé pour les draperies. Le bleu était utilisé avec parcimonie, car le pigment était cher, ainsi que le vert,qui était faite de malachite, n'a jamais été employée."
Sources des images : Wikimedia Commons, Le Louvre, Le British Museum
Sources des textes : Internet Ancient History Sourcebook : Rome sourcebooks.fordham.edu ; Internet Ancient History Sourcebook : Late Antiquity sourcebooks.fordham.edu ; Forum Romanum forumromanum.org ; "Outlines of Roman History" by William C. Morey, Ph.D., D.C.L. New York, American Book Company (1901), forumromanum.org ; "The Private Life of the Romans" by Harold Whetstone Johnston, Revised by Mary.Johnston, Scott, Foresman and Company (1903, 1932) forumromanum.orgmagazine, Times of London, Natural History magazine, Archaeology magazine, The New Yorker, Encyclopædia Britannica, "The Discoverers" [∞] et "The Creators" [μ] de Daniel Boorstin, "Greek and Roman Life" de Ian Jenkins du British Museum, Time, Newsweek, Wikipedia, Reuters, Associated Press, The Guardian, AFP, Lonely Planet Guides, "World Religions" édité par Geoffrey Parrinder (Facts on File).Publications, New York) ; "History of Warfare" par John Keegan (Vintage Books) ; "History of Art" par H.W. Janson Prentice Hall, Englewood Cliffs, N.J.), Compton's Encyclopedia et divers livres et autres publications.