Portrait d'une momie du Fayoum de l'époque romaine en Égypte
L'art romain avait tendance à être réaliste alors que l'art grec était idéalisé. Les innovations artistiques romaines comprenaient des statues équestres, des bustes naturalistes et des peintures murales décoratives comme celles trouvées à Pompéi. Les Romains aimaient orner leurs bâtiments et espaces publics et privés avec des œuvres d'art colorées et texturées. Leur plus grande contribution à l'art était sans doute leurs mosaïques. Le mot "style" est dérivé du mot anglais "style".le mot "stilus", l'instrument d'écriture romain.
L'art et la culture grecs sont arrivés à Rome indirectement, par l'intermédiaire des Étrusques, et plus directement, par l'intermédiaire des colonies grecques en Italie, par le pillage romain des villes grecques et par l'offre d'un bon salaire aux artistes grecs.à Rome.
L'historien William C. Morey a écrit : "Les Romains étant un peuple pratique, leur art le plus ancien s'est manifesté dans leurs bâtiments. Bien que les Romains n'aient jamais pu espérer acquérir l'esprit esthétique pur des Grecs, ils étaient animés d'une passion pour la collection d'œuvres d'art grecques et pour l'ornementation de leurs bâtiments avec des ornements grecs. Ils imitaient les modèles grecs et professaient leur admiration pour l'art grec.Source : "Outlines of Roman History" par William C. Morey, Ph.D., D.C.L. New York, American Book Company (1901), forumromanum.org].
Il est peut-être injuste de considérer les artistes romains comme de simples copistes des Grecs. C'est peut-être vrai pour la sculpture, mais pas pour la peinture, comme le montrent les fresques de Pompéi et les peintures du linceul des momies dans l'Égypte de l'époque romaine. Les Romains ont été les premiers à utiliser la science de la perspective dans leur art, une qualité tridimensionnelle utilisée notamment dans les peintures du linceul du premier au troisième siècle de notre ère.siècle dans les régions égyptiennes de Hawara et du Fayoum, mais également présente dans certaines œuvres de Pompéi. En comparaison, certaines images des peintures de vase grecques ressemblent à des figures en bâton idéalisées. La perspective n'a été redécouverte qu'à la Renaissance, au XIIIe siècle en Italie.
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Sites web sur la Rome antique : Internet Ancient History Sourcebook : Rome sourcebooks.fordham.edu ; Internet Ancient History Sourcebook : Late Antiquity sourcebooks.fordham.edu ; Forum Romanum forumromanum.org ; "Outlines of Roman History" forumromanum.org ; "The Private Life of Romans" forumromanum.orgpenelope.uchicago.edu ; Gutenberg.org gutenberg.org L'Empire romain au 1er siècle pbs.org/empires/romans ; The Internet Classics Archive classics.mit.edu ; Bryn Mawr Classical Review bmcr.brynmawr.edu ; De Imperatoribus Romanis : une encyclopédie en ligne des empereurs romains roman-emperors.org ; British Museum ancientgreece.co.uk ; Oxford Classical Art Research Center : The Beazley Archivebeazley.ox.ac.uk ; Metropolitan Museum of Art metmuseum.org/about-the-met/curatorial-departments/greek-and-roman-art ; The Internet Classics Archive kchanson.com ; Cambridge Classics External Gateway to Humanities Resources web.archive.org/web ; Internet Encyclopedia of Philosophy iep.utm.edu ;
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Selon le Metropolitan Museum of Art : "Une grande partie de ce que nous savons sur les Étrusques ne provient pas de preuves historiques, mais de leur art et des archives archéologiques. De nombreux sites étrusques, principalement des cimetières et des sanctuaires, ont été fouillés, notamment à Veii, Cerveteri, Tarquinia, Vulci et Vetulonia. De nombreuses peintures de tombes étrusques représentent des scènes de vie aux couleurs vives,Source : Colette Hemingway, chercheuse indépendante, Seán Hemingway, Département d'art grec et romain, The Metropolitan Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, octobre 2004, metmuseum.org].
Peinture étrusque
"Les potiers grecs et leurs œuvres ont influencé le développement de la poterie fine peinte étrusque et, par conséquent, de nouveaux types de poterie étrusque ont été créés au cours de la période d'orientalisation (environ 750-575 av. J.-C.) et de la période archaïque subséquente (environ 575-490 av. J.-C.). Le plus réussi de ces styles de poterie est connu comme suitcomme le Bucchero, caractérisé par sa surface noire brillante et la prépondérance des formes qui imitent les prototypes métalliques. Une dédicace étrusque au sanctuaire grec de Delphes témoigne de l'étroite interaction entre les Grecs et les Étrusques à la période archaïque. Les Étrusques appréciaient particulièrement les vases grecs finement peints, qu'ils collectionnaient en grand nombre. De même, leur intérêt pour l'art grecCependant, l'adaptation de l'iconographie grecque à l'art étrusque est complexe et difficile à interpréter. \^^/
"L'Étrurie, la région occupée par les Étrusques, était riche en métaux, en particulier en cuivre et en fer. Les Étrusques étaient des maîtres bronziers qui exportaient leurs produits finis dans toute la Méditerranée. Des bronzes finement travaillés, tels que des trônes et des chars décorés de reliefs martelés exquis, des statues et des statuettes coulées, ainsi que des récipients, des miroirs et des supports ornés, témoignent de la haute qualité de l'art des Étrusques.Les bijoux opulents en or et en pierres semi-précieuses sont des exemples de formes grecques orientales et levantines adaptées au goût étrusque. Le commerce extensif en Méditerranée au cours de cette période a fourni aux artistes des matériaux exotiques tels que l'ivoire, l'ambre, les œufs d'autruche et les pierres semi-précieuses, qui ont tous été utilisés pour la fabrication des bijoux.Les Étrusques étaient également réputés pour leurs sculptures autoportantes en terre cuite et leurs reliefs architecturaux. Les œuvres funéraires étrusques, en particulier les sarcophages et les urnes cinéraires, souvent sculptées en haut-relief, constituent une source particulièrement riche de preuves des réalisations artistiques de la fin de l'époque classique et de l'époque hellénistique.
L'art étrusque comprend des tombes monumentales, des peintures funéraires, des vases peints, des urnes avec des reliefs, des miroirs en bronze, des bijoux en or et en argent et des figurines en albâtre, en terre cuite et en calcaire. Le musée étrusque de Tarquinia possède de nombreuses pièces de qualité, notamment une salle remplie de magnifiques sarcophages surmontés de personnages allongés et parfois de personnages en train de se coucher.Il y a aussi des urnes funéraires et des vases. Le plus beau vase est un vase importé de Grèce qui contient l'image d'une tête de femme avec une expression séduisante... La plupart des pièces de prix sont à la Villa Giulia à Rome.
Les Étrusques ont également fabriqué d'intrigantes figurines étroites en bronze, très stylisées, qui étaient offertes comme offrandes votives dans les temples, des statues équestres réalistes et détaillées, ainsi que de belles poteries "bucchero" distinctes, qui étaient délibérément cuites pour ressembler à du métal.
Les Étrusques ont construit de grandes acropoles et les plus grands bâtiments d'Italie avant le VIe siècle avant J.-C. Le seul monument impressionnant qui subsiste est la porte fortifiée de Porta Augusta à Pérouse, datant du IIe siècle avant J.-C. Porta Augusta est également important car il s'agit de l'un des plus anciens bâtiments de la ville.endroits en Italie avec une arche.
Les Étrusques étaient parmi les principaux importateurs de vases grecs. Certains des plus beaux vases grecs découverts par les archéologues ont été mis au jour sur des sites étrusques.
Couronne de lierre étrusque
Le Musée national étrusque de Villa Giulia (Villa Borghese) à Rome est probablement le plus beau musée étrusque du monde. Parmi les trésors, on trouve un œuf d'autruche peint, importé d'Afrique mais que l'on pense avoir été peint en Étrurie ; un beau sarcophage de couple marié, qui montre le mari caressant doucement sa femme sur le bras et l'épaule ; une statue d'un satyre avec une femme plus grande faisant uneParmi les objets en or, on trouve un collier avec deux pendentifs représentant le visage d'une femme joufflue et un troisième implanté d'un onyx ressemblant à un globe oculaire humain, ainsi qu'une broche décorée d'un satyre à sabots ressemblant à un loup-garou avec une tête granulée.Les pièces les plus importantes sont trois tablettes en or, dont deux sont inscrites en étrusque et la troisième en phénicien, la langue de Carthage. La langue étrusque n'a pas encore été complètement déchiffrée.
Le musée archéologique de Florence possède l'une des meilleures collections étrusques en dehors de la Villa Giulia de Rome. Il contient des pièces étrusques romaines qui se trouvaient autrefois dans les Offices. Une statue en bronze particulièrement étonnante montre un lion qui charge et une chèvre qui sort de son dos et qui est à son tour saisie par la queue du lion, qui est un serpent. Découvrez également un superbe bronze étrusque représentant la tête et la jeunesse d'un garçon.avec le démon de la mort aux seins nus. L'égyptien
Les peintures funéraires représentent des cérémonies funéraires, des compétitions athlétiques, des duels sanglants, des banquets grandioses, des guerriers et des cavaliers, des démons et des créatures mythiques, ainsi que des voyages dans l'au-delà. On y trouve des images de serpents barbus, de dauphins, de volées d'oiseaux, de musiciens, de danseurs sauvages et de jongleurs. Les couleurs vives ont été créées à l'aide d'un éventail de pigments, dont certains sont très rares et coûteux : le blancde la calcite, le rouge de l'hématite, le noir du charbon de bois, le jaune de la goethite et le bleu d'un mélange de silice, de chaux, de cuivre et d'un alcali spécial importé d'Égypte. Peu de tombes avec des peintures murales sont ouvertes au public. Une fois qu'une tombe scellée a été ouverte, les peintures se décomposent rapidement dans l'humidité. Une tombe appelée la Tombe des Léopards a de belles peintures murales qui représentent des lutteurs nus, des hommes jouant de la musique et un couple en train de banqueter regardant un œuf, un symbole d'immortalité.
Le musée étrusque du Vatican abrite l'une des meilleures collections d'art étrusque au monde. Les pièces les plus remarquables, trouvées dans des tombes étrusques en Toscane et dans le Latium, comprennent des bijoux en or et en argent, des dés qui ressemblent à des dés modernes, des chars, des peintures sur vase et de petits sarcophages qui contenaient les restes incinérés de riches Étrusques. Parmi les points forts, citons de magnifiques objets étrusques.peinture et une statue en bronze de garçon provenant du site étrusque de Tarquina.
Tombe étrusque de Tarquinia des Léopards
Auguste (règne 27 av. J.-C. - 14 ap. J.-C.) a encouragé l'apprentissage et patronné les arts. Virgile, Horace, Tite-Live et Ovide ont écrit pendant "l'âge d'Auguste". Auguste a également établi ce qui a été décrit comme le premier musée de paléontologie à Capri. Il contenait les os de créatures disparues. Selon le Metropolitan Museum of Art : "Sous le règne d'Auguste, Rome s'est transformée en une véritable ville impériale.Au premier siècle avant J.-C., Rome était déjà la ville la plus grande, la plus riche et la plus puissante du monde méditerranéen. Mais c'est sous le règne d'Auguste qu'elle s'est transformée en une véritable cité impériale. Les écrivains étaient encouragés à composer des œuvres qui proclamaient son destin impérial : les Histoires de Tite-Live, tout comme l'Enéide de Virgile, étaient destinées à démontrer que les dieux avaient fait de Rome une ville impériale.Un programme social et culturel faisant appel à la littérature et aux autres arts a fait revivre les valeurs et les coutumes ancestrales et a encouragé l'allégeance à Auguste et à sa famille. [Source : Département d'art grec et romain, Metropolitan Museum of Art, octobre 2000, metmuseum.org].
Les monuments sculptés, comme l'Ara Pacis Augustae construite entre 14 et 9 av. J.-C., témoignent du haut niveau artistique des sculpteurs impériaux sous Auguste et d'une conscience aiguë de la puissance du symbolisme politique. Les cultes religieux ont été ravivés, les temples reconstruits, et un certain nombre de monuments de l'époque ont été construits.Les artisans de tout le pourtour méditerranéen créèrent des ateliers qui produisirent bientôt une gamme d'objets - argenterie, pierres précieuses, verre - de la plus haute qualité et originalité. De grands progrès furent réalisés dans l'architecture et le génie civil grâce à l'utilisation innovante de l'espace et des matériaux. En l'an 1 de notre ère, Rome était passée d'une ville de modestes briques et de constructions locales à une ville d'une grande beauté.en une métropole de marbre avec un système d'approvisionnement en eau et en nourriture amélioré, davantage d'équipements publics tels que des bains, et d'autres bâtiments et monuments publics dignes d'une capitale impériale." \^^/
C'est sous le règne de Trajan (98-117 après J.-C.) que l'art romain atteint son plus haut niveau de développement. L'art des Romains, comme nous l'avons déjà remarqué, s'inspirait en grande partie de celui des Grecs. S'ils n'avaient pas le sens aigu de la beauté que possédaient les Grecs, les Romains exprimaient néanmoins à un degré remarquable les idées de force massive et de dignité imposante. Dans leur sculpture et leur peinture, ils étaientLa sculpture romaine est mise en valeur par les statues et les bustes des empereurs, ainsi que par les reliefs de l'arc de Titus et de la colonne de Trajan [Source : "Outlines of Roman History", William C. Morey, Ph.D., D.C.L., New York].York, American Book Company (1901), forumromanum.org ...]
mosaïque d'une villa
Christopher Lightfoot, du Metropolitan Museum of Art, a écrit : "À la fin de la République, les richesses affluent à Rome à une échelle sans précédent sous la forme de tributs, d'impôts et de profits tirés du commerce et de la banque. Toutes les richesses ne sont pas acquises honnêtement ou légitimement, car certaines proviennent de butins et de dépouilles, notamment d'ennemis de Rome vaincus et réduits en esclavage. Cela signifie toutefois quequelques hommes de premier plan, comme le général et homme politique Marcus Licinius Crassus (vers 115-53 av. J.-C.), devinrent extrêmement riches. Cette richesse servait principalement à assurer le succès dans l'intense rivalité politique qui affligeait Rome à cette époque, mais elle stimulait également le mécénat artistique, la création de bibliothèques et de collections d'art, ainsi que la construction de palais et de jardins.Lightfoot, Département d'art grec et romain, Metropolitan Museum of Art, février 2009, metmuseum.org ;].
"Bien que le premier empereur de Rome, Auguste, ait tenté de mettre un frein à ces extravagances et à l'étalage excessif de la richesse personnelle, les Romains aisés se sont de plus en plus adonnés à leur goût du luxe pendant la période julio-claudienne (27 av. J.-C. - 68 apr. J.-C.).La société romaine s'est dotée d'une gamme d'objets personnels coûteux. Outre les bijoux en or tels que les boucles d'oreilles, les colliers et les bagues, les Romains aimaient les miroirs en argent, les peignes et les épingles à cheveux en ivoire, ainsi qu'un assortiment de boîtes et de récipients pour les parfums et les cosmétiques. Ces objets précieux donnent une idée de la variété et de la qualité de l'artisanat qui était nécessaire pourD'autres accessoires, connus uniquement par des sources littéraires, étaient réalisés dans des matériaux plus périssables, comme des soies coûteuses importées de Chine ou des perruques flamboyantes fabriquées à partir de cheveux d'esclaves allemands ou britanniques. L'ivoire était également importé à Rome, principalement d'Afrique via le Nil. \^/
"Les dames romaines ont également développé un goût pour les bijoux élaborés, ornés de pierres colorées et exotiques. L'ambre et la perle étaient deux des matériaux les plus populaires et les plus recherchés ; le premier était apporté de la mer Baltique, et les perles les plus fines étaient importées du golfe Persique, bien qu'une raison donnée pour justifier la conquête de la Grande-Bretagne sous le règne de l'empereur Claude (41-54 après J.-C.) était qu'elleLes améthystes, les saphirs et les diamants non taillés, provenant de diverses régions d'Asie du Sud, étaient d'autres pierres précieuses rares et coûteuses, appréciées pour leur brillance et leur transparence. Les émeraudes du désert oriental de Haute-Égypte étaient également très populaires ; elles étaient généralement laissées dans leur forme naturelle, sous forme de prismes, qui étaient percés et enfilés sur des colliers, des bracelets et des chaînes en or.De nombreux portraits funéraires de femmes - en particulier les portraits peints de momies de l'Égypte romaine (dont des exemples sont exposés dans les galeries égyptiennes) et les portraits en pierre sculptée de la cité caravanière de Palmyre en Syrie (dont des exemples sont exposés dans les galeries du Proche-Orient ancien) - montrent les défuntes portant de tels bijoux comme une indication durable de leur statut social et de leur personnalité.richesse. \^/
"Certains matériaux de luxe étaient si rares ou si coûteux qu'ils ont donné lieu à des imitations artificielles moins chères, tant en poterie qu'en verre, mais même dans ce cas, nous pouvons reconnaître une compétence technique et artistique du plus haut niveau. C'est le cas du verre mosaïque et des articles de table en céramique marbrée, fabriqués pour reproduire les motifs saisissants de l'agate rubanée. Le verre camée, le plus difficile et le plus coûteux de tous les verres romains,s'est également inspiré des pierres semi-précieuses superposées. Il existe, par exemple, de nombreuses pierres précieuses romaines en verre camée qui ont été fabriquées comme des alternatives moins coûteuses aux véritables camées en agate ou en sardonyx. En outre, il faut se rappeler que beaucoup de choses ont été irrémédiablement perdues, en particulier les objets en or et en argent, qui pouvaient facilement être fondus et réutilisés. D'autres sont devenus des objets de patrimoine et des reliques qui ont étéPlus tard, ils ont été incorporés dans des œuvres du Moyen Âge et de la Renaissance, comme certains des récipients en pierre semi-précieuse du Trésor de Saint-Marc à Venise.
"Au troisième siècle de notre ère, l'empire romain est en proie à des invasions barbares en Europe, à la renaissance de l'empire perse sassanide en Orient, à des troubles internes et à une inflation galopante. Néanmoins, les ressources accumulées par l'empire permettent à l'élite privilégiée de la société romaine de continuer à jouir d'une vie de richesse et de luxe inouïs.Des trésors d'argent et de bijoux ont donc été découverts en grand nombre dans le monde romain. Les artisans qui produisaient ces objets de luxe n'ont certainement pas perdu de leur habileté et de leur inventivité, mais de nouveaux styles de conception et de mode se sont développés. En particulier, les bijoux et les ornements sont devenus plus colorés et plus élégants.Ces goûts ont conduit à l'adoption par les empereurs de robes d'apparat en soie et de couronnes royales en or, ornées de perles et de pierres précieuses. Cette mode a fortement influencé l'art byzantin ultérieur et, même en Occident, les souverains des royaumes qui ont succédé à la Byzance n'ont jamais cessé de s'intéresser à l'art byzantin.a complètement oublié la richesse et la splendeur de la Rome antique.
La Gaule mourante
Selon le Metropolitan Museum of Art : "Dans sa plus grande extension, l'empire gouverné par Rome s'étendait autour de la mer Méditerranée, du nord de l'Angleterre à la Nubie, de l'Atlantique à la Mésopotamie. La domination romaine a unifié ce territoire vaste et varié, et l'administration romaine l'a intégré économiquement et socialement. Un voyageur faisant le tour des différentes provinces vers 212 après J.-C. (date à laquelle l'Empire romain est entré en vigueur) s'est rendu compte qu'il n'y avait pas d'autre choix que de se rendre à Rome.(la citoyenneté était étendue à tous les hommes nés libres) aurait trouvé de nombreuses similitudes entre les endroits qu'il a visités : les pièces de monnaie romaines circulaient partout, et dans chaque province, il y avait des villes ornées de statues de l'empereur et de bâtiments tels que des thermes, des basiliques et des amphithéâtres qui incarnaient les normes culturelles et architecturales romaines.L'art démontre à la fois l'étendue et les limites de l'influence romaine, car la circulation des matériaux, des méthodes, des objets et des formes d'art a créé une certaine unité culturelle, et pourtant, dans chaque lieu, la persistance des coutumes locales a assuré la survie de la diversité culturelle [Source : Jean Sorabella, chercheur indépendant, Metropolitan Museum of Art, mai 2008].2010, metmuseum.org [ ].
"La Gaule, une grande région qui correspond à peu près à la France moderne, offre une image représentative de l'interaction entre les traditions romaines et non romaines dans les arts visuels. Avant l'arrivée des Romains, le travail du métal était un artisanat très développé chez les Celtes, dont les artisans excellaient à enrichir les objets métalliques d'ornements abstraits aux couleurs vives ; ils représentaient rarement la forme humaine,Après l'arrivée des Romains, les artisans gaulois ont continué à travailler le métal de manière sophistiquée, mais leur production a changé pour répondre aux besoins de la société qui a adopté les manières romaines. Les ateliers gaulois se sont tournés vers la production de récipients et de vaisselle adaptés à un style de repas romanisé ; ils ont également appliqué des techniques que les Romains ont utilisées pour la fabrication de la vaisselle.Certains objets fabriqués en Gaule étaient destinés à un usage local, comme les statuettes de divinités indigènes aux traits nettement non romains ; d'autres types d'œuvres étaient largement exportés, comme les boîtes à six côtés décorées d'émail millefiore et la poterie fine en relief connue sous le nom de terra sigillata. Outre la production d'œuvres d'art, lesles Gaulois ont également importé de la capitale des objets, des savoir-faire et des préférences stylistiques : les villes de la province ont ainsi été dotées de statues monumentales et de bâtiments de type romain, et les environs de ces villes ont été desservis par des routes et des aqueducs. \^/
"Les provinces d'Afrique du Nord ont également connu un développement urbain dans le moule romain. La ville de Timgad (Algérie actuelle), établie par Trajan en 100 après J.-C., a utilisé un plan quadrillé rigidement ordonné, commun aux établissements coloniaux de tout l'empire, et certains des exemples les mieux préservés de bâtiments publics romains, y compris un théâtre, un amphithéâtre, un temple et une place de marché, se trouvent toujours dans la ville de Timgad.La romanisation est allée de pair avec la prospérité économique, car la ville de Rome se tournait vers l'Afrique du Nord pour s'approvisionner en blé, en huile et en vin, et la productivité agricole a sans doute contribué à la diffusion autour de la Méditerranée de récipients en poterie à engobe rouge distinctifs produits en Tunisie.À bien des égards, les provinces d'Afrique du Nord sont devenues aussi romaines que n'importe quelle péninsule italienne, donnant naissance à des figures intellectuelles imprégnées du savoir romain, telles que le romancier Apulée de Madaure (vers 125 - vers 180) et les écrivains chrétiens Tertullien (vers 160 - vers 220) et Saint Augustin d'Hippone (354 - 430). Leurs espaces publics et privés étaient ornés des marques de l'art romain.La prospérité romaine : des cours et des jardins, des sculptures isolées et surtout des mosaïques élégantes et originales, un art pour lequel les artistes nord-africains ont montré un talent particulier.
"La production artistique de chacune des provinces romaines représente un mélange de traditions locales et impériales. Les populations concernées continuaient à utiliser leur langue maternelle, même si les affaires officielles étaient conduites en latin ou en grec ; les religions indigènes persistaient, même si des sacrifices étaient partout offerts pour l'empereur et les dieux du panthéon romain. La culture visuelle reflétait également le caractère hybride de l'Empire romain.Les images du style et du message romains circulaient largement, mais les artisans et les consommateurs des provinces conservaient leurs propres traditions, adoptant les techniques et les goûts romains quand cela leur convenait. \^/
"Les arts funéraires des provinces témoignent de la variété et de la liberté de l'expression artistique dans les différentes régions de l'Empire romain. Les portraits et les objets funéraires, qui font partie de nombreuses coutumes de commémoration des morts, reflètent également les différents styles vestimentaires et les approches de la représentation privilégiés en divers endroits. En Norique et en Pannonie, dans le bassin danubien, par exemple, les portraits et les objets funéraires sont des exemples de l'art funéraire.Par exemple, il était courant de marquer les sépultures par des bustes du défunt sculptés en relief, souvent dans un style naturaliste comme celui utilisé pour les portraits romains et parfois encadrés de moulures de conception classique. Les hommes représentés portent généralement la toge, le fier costume du citoyen romain, mais les femmes arborent au contraire une mode autochtone distinctive, avec des cols ornés de lourds bijoux, des broches proéminentes à la tête et à la queue.Les portraits funéraires de l'oasis du Fayoum en Égypte présentent un mélange différent de préférences culturelles. Les habitants de cette région ont perpétué l'ancienne coutume de la momification, remplaçant le masque sculpté de la pratique antérieure par un portrait peint. Le contexte de ces images est résolument égyptien, mais le style de représentation reflète la tradition grecque.Les habitants de Palmyre, dans l'actuelle Syrie, enterraient leurs morts dans des compartiments creusés dans les murs de vastes complexes de cimetières et fermaient chaque tombe par un relief en pierre calcaire à l'effigie du défunt.les personnages représentés portent des vêtements et des manières romains, mais beaucoup d'autres apparaissent en tenue orientale, avec des bijoux de conception locale ; presque tous représentent leurs sujets de face, avec des yeux disproportionnés et des traits audacieusement schématisés qui témoignent d'une approche de l'art du portrait tout à fait indépendante des tendances romaines. \^//
Verrerie romaine, y compris un biberon d'Apulum
"La diversité des coutumes suivies dans les régions disparates a naturellement donné lieu à une variété artistique, mais les pratiques imposées par les Romains et observées dans tout l'empire ont également produit une gamme vivante de réponses. Par exemple, l'organisation de la société urbaine dans les provinces accordait une position élevée aux élites locales, et les membres de cette classe ont souvent meublé leurs villes de bâtiments, de monuments,Par exemple, un propriétaire terrien local qui avait été grand prêtre dans le culte de l'empereur romain a érigé un arc de conception typiquement romaine à Saintes, dans le sud de la France, en 19 après J.-C., et à Barcelone, au début du IIe siècle après J.-C., un père et un fils qui avaient tous deux atteint le rang de sénateur et occupé des fonctions consulaires ont fait de même.Parfois, la population d'une ville entière obtenait la permission impériale d'ériger une statue de l'empereur ou de construire un temple en son honneur. Dans la plupart des cas, ces monuments avaient des formes conventionnelles : le portrait de l'empereur était généralement conforme à un type officiel probablement conçu à Rome même. Certaines images honorifiques reflétaient toutefois les traditions locales.Dans les pays hellénophones de la Méditerranée orientale, par exemple, l'image de l'empereur était souvent montée sur un corps nu idéal, comme c'était le cas pour les statues royales hellénistiques qui y étaient familières, et le long du Nil, à Dendur, les habitants ont construit un petit temple sur des principes architecturaux égyptiens et l'ont décoré de reliefs représentant l'empereur.l'empereur Auguste sous l'apparence d'un pharaon apportant des offrandes aux divinités égyptiennes. \^/
"Enfin, la domination romaine a facilité le commerce entre les régions disparates, ce qui a eu un impact profond sur l'art dans les provinces. La circulation du marbre et des minéraux adaptés à la fabrication de pigments reliait les régions disparates à la capitale et rendait possible la richesse multicolore d'une grande partie de l'architecture romaine ; les différents types de pierre utilisés dans le Panthéon, par exemple, comprennent le marbre jaune (giallo antico)Les Romains ont également reconnu et encouragé les industries locales de manière à assurer une large gamme de produits provinciaux ; les usines de fer en Gaule et dans le bassin danubien, par exemple, ont fonctionné comme des manufactures impériales produisant des armes pour les soldats romains.L'armée a introduit de nombreuses coutumes et produits romains dans les régions éloignées, car les recrues étaient souvent imprégnées de la culture romaine, même si elles venaient des provinces ; les fouilles des installations militaires ont permis d'identifier des traces de la culture romaine.Philostrate, un écrivain grec vivant à Rome au troisième siècle après J.-C., s'émerveillait de l'émail champlevé accompli par les artistes "barbares" vivant en Gaule et en Grande-Bretagne. Des objets en émail coloré, allant des broches aux récipients en passant par les harnachements de chevaux, ont été retrouvés sur des sites de tout l'empire et témoignent de l'importance de l'émaillage.l'appréciation générale des réalisations distinctives des artistes travaillant dans ses territoires extérieurs.
Le musée archéologique national de Naples est l'un des plus grands et des meilleurs musées archéologiques du monde. Situé dans un palais du XVIe siècle, il abrite une merveilleuse collection de statues, de peintures murales, de mosaïques et d'ustensiles de tous les jours, dont beaucoup ont été découverts à Pompéi et à Herculanum. En fait, la plupart des pièces exceptionnelles et bien conservées de Pompéi et d'Herculanum se trouvent au musée.musée archéologique.
Parmi les trésors, on trouve de majestueuses statues équestres du proconsul Marcus Nonius Balbus, qui a contribué à la restauration de Pompéi après le tremblement de terre de 62 après J.-C., le taureau Farnèse, la plus grande sculpture antique connue, la statue de Doryphore, le porteur de lance, copie romaine de l'une des statues les plus célèbres de la Grèce classique, et d'immenses statues voluptueuses de Vénus, d'Apollon et d'Hercule qui témoignent de l'histoire gréco-romaine.des idéalisations de la force, du plaisir, de la beauté et des hormones.
L'œuvre la plus célèbre du musée est la mosaïque spectaculaire et colorée connue à la fois sous les noms de "bataille d'Issus" et d'"Alexandre et les Perses". Représentant Alexandre le Grand combattant le roi Darius et les Perses, la mosaïque a été réalisée à partir de 1,5 million de pièces différentes, presque toutes taillées individuellement pour un endroit spécifique de l'image. D'autres mosaïques romaines vont de simples motifs géométriques à des œuvres plus complexes.des images complexes à couper le souffle.
Les objets les plus remarquables découverts dans la Villa des papyrus d'Herculanum méritent également le détour. Les plus insolites sont les statues en bronze foncé de porteurs d'eau aux yeux blancs effrayants faits de pâte de verre. Une peinture murale représentant des pêches et un bocal en verre provenant d'Herculanum pourrait facilement être confondue avec un tableau de Cézanne. Dans une autre peinture murale colorée d'Herculanum, un personnage austère est en train d'être tué.Téléphus se laisse séduire par un Hercule nu sous le regard d'un lion, d'un cupidon, d'un vautour et d'un ange.
Parmi les autres trésors, citons la statue d'un dieu de la fertilité mâle et obscène lorgnant sur une baigneuse quatre fois plus grande que lui, le magnifique portrait d'un couple tenant un rouleau de papyrus et une tablette cirée pour montrer leur importance, ainsi que des peintures murales représentant des mythes grecs et des scènes de théâtre avec des acteurs masqués comiques et tragiques. Ne manquez pas de jeter un coup d'œil à la coupe Farnèse dans la collection de bijoux. La collection égyptienne est la suivantesouvent fermés.
Le Cabinet secret (au Musée archéologique national) est un couple de salles contenant des sculptures érotiques, des objets et des fresques de la Rome antique et de l'Étrurie qui ont été enfermés pendant 200 ans. Dévoilées en l'an 2000, les deux salles contiennent 250 fresques, amulettes, mosaïques, statues, tours d'huile, offrandes votives, symboles de fertilité et talismans. Parmi les objets, on trouve une statue en marbre du IIe siècle représentant lafigure mythologique Pan copulant avec une chèvre trouvée au Valli die Papyri en 1752. De nombreux objets ont été trouvés dans des bordels à Pompéi et Herculanum.
La collection a commencé comme un musée royal d'antiquités obscènes créé par le roi Bourbon Ferdinand en 1785. En 1819, les objets ont été transférés dans un nouveau musée où ils ont été exposés jusqu'en 1827, date à laquelle il a été fermé à la suite de plaintes d'un prêtre qui décrivait la salle comme un enfer et un "corrupteur des mœurs de la jeunesse modeste". La salle a été brièvement ouverte après que Garibaldi a instauré une dictature dans le pays.le sud de l'Italie en 1860.
fresque de Pompéi
Porphyre (234 - 305) était un néoplatonicien de premier plan, qui cherchait à défendre la "raison". La propagation du christianisme a suscité une forte réaction intellectuelle négative parmi les intellectuels d'orientation classique. Dans certaines de ses œuvres, il attaque la déraison chrétienne, tandis que dans d'autres, il défend la religion romaine (païenne) traditionnelle. Les fragments suivants, transmis à l'usage par Eusèbe (vers l'an 2000), ont été traduits en français.260-340), sont liées à des images de culte et à des images de dieux de l'époque romaine.
Porphyre a écrit : Fragment 1 : "Je parle à ceux qui ont le droit d'entendre : Partez tous, profanes, et fermez les portes. Je montrerai à ceux qui ont appris à lire dans les statues comme dans les livres ce qui y est écrit sur les dieux, les pensées d'une théologie sage, dans laquelle les hommes ont désigné Dieu et les pouvoirs de Dieu par des images proches du sens, et ont esquissé des choses invisibles sous des formes visibles.Il n'est pas étonnant que les ignorants considèrent les statues comme du bois et de la pierre, tout comme ceux qui ne comprennent pas les lettres écrites considèrent les monuments comme de simples pierres, les tablettes comme des morceaux de bois et les livres comme du papyrus tissé" [Source : "Sur les images" Porphyre (232/3-c.305), tiré de fragments d'Eusèbe (vers 260-340), traduit par Edwin Hamilton Gifford, MIT].
Fragment 2 : "Comme la divinité est de nature lumineuse, qu'elle habite dans une atmosphère de feu éthéré et qu'elle est invisible pour les sens occupés à la vie mortelle, elle a conduit les hommes, à travers une matière translucide, comme le cristal ou le marbre de Paros ou même l'ivoire, à la conception de sa lumière, et à travers l'or matériel au discernement du feu et à sa pureté sans tache, car l'or ne peut être souillé.D'autre part, le marbre noir a été utilisé par beaucoup pour montrer son invisibilité ; et ils ont moulé leurs dieux sous forme humaine parce que la divinité est rationnelle, et les ont rendus beaux, parce qu'en eux se trouve la beauté pure et parfaite ; et dans des variétés de forme et d'âge, de position assise et debout, et de draperie ; et certains d'entre eux étaient des hommes et d'autres des femmes, vierges, jeunes ou mariés, pour représenter leur diversité.attribuaient tout ce qui est blanc aux dieux du ciel, la sphère et tout ce qui est sphérique au cosmos et au soleil et à la lune en particulier, mais parfois aussi à la fortune et à l'espoir ; le cercle et tout ce qui est circulaire à l'éternité, au mouvement du ciel, aux zones et aux cycles qui s'y trouvent ; les segments de cercles aux phases de la lune ; les pyramides et les obélisques à l'élément de l'univers.le feu, et donc aux dieux de l'Olympe ; de même le cône au soleil, et le cylindre à la terre, et les figures représentant les parties du corps humain aux semailles et à la génération."
Fragment 4 : " Ils ont fait d'Héra l'épouse de Zeus, parce qu'ils ont appelé Héra la puissance éthérée et aérienne ; car l'éther est un air très subtil. "
Fragment 5 : "Et la puissance de l'air tout entier est Héra, appelée d'un nom dérivé de l'air ; mais le symbole de l'air sublunaire qui est affecté par la lumière et les ténèbres est Léto ; car elle est l'oubli causé par l'insensibilité dans le sommeil, et parce que les âmes engendrées sous la lune sont accompagnées de l'oubli du Divin ; et pour cette raison elle est aussi la mère d'Apollon et d'Artémis, qui sontles sources de lumière pour la nuit."
Fragment 6 : "Le principe directeur de la puissance de la terre est appelé Hestia, dont une statue la représentant comme une vierge est habituellement placée sur le foyer ; mais dans la mesure où la puissance est productive, ils la symbolisent par la forme d'une femme aux seins proéminents. Le nom de Rhéa a été donné à la puissance de la terre rocheuse et montagneuse, et Déméter à celle de la terre plate et productive.Le respect est le même que celui de Rhéa, mais diffère par le fait qu'elle donne naissance à Koré par Zeus, c'est-à-dire qu'elle produit la pousse à partir des graines des plantes. Et pour cette raison, sa statue est couronnée d'épis de maïs, et des coquelicots sont disposés autour d'elle comme symbole de la productivité."
Porphyre (234 - 305) écrit dans le Fragment 3 : "Regardez maintenant la sagesse des Grecs, et examinez-la de la manière suivante : les auteurs des hymnes orphiques ont supposé que Zeus était l'esprit du monde, et qu'il a créé toutes choses, contenant le monde en lui-même. C'est pourquoi, dans leurs systèmes théologiques, ils ont transmis leurs opinions sur lui de la manière suivante :".
L'empereur Claude prend la pose de Zeus
"Zeus était le premier, Zeus le dernier, le seigneur de la foudre,
Zeus tête, Zeus centre, toutes les choses viennent de Zeus.
Zeus né mâle, Zeus vierge non souillée ;
Zeus, la base solide de la terre et du ciel étoilé ;
Zeus souverain, Zeus seul cause première de tout :
Un pouvoir divin, grand maître du monde,
Une forme royale, qui encercle toutes choses ici,
Le feu, l'eau, la terre et l'éther, la nuit et le jour ;
La Sagesse, premier parent, et l'Amour délicieux :
Car dans le corps puissant de Zeus, ils reposent tous.
Sa tête et son beau visage, le ciel radieux.
Révèle et autour de lui flottent en vagues brillantes
Les tresses dorées des étoiles scintillantes.
De chaque côté, on voit des cornes de taureau en or,
Lever et coucher du soleil, les sentiers des dieux.
Ses yeux sont le Soleil, la lumière sensible de la Lune ;
Son esprit éther immortel, vérité souveraine,
Entend et considère tout ; ni aucun discours,
Ni cri, ni bruit, ni voix inquiétante ne s'échappent.
L'oreille de Zeus, le fils le plus puissant du grand Kronos :
Telle sa tête immortelle, et telle sa pensée.
Son corps radieux, sans limites, non perturbé
Dans la force des membres puissants a été formé ainsi :
Les épaules, la poitrine et le dos du dieu, qui s'étendent largement.
La grande étendue de l'air, de chaque côté.
Il lui pousse des ailes, avec lesquelles il vole dans tout l'espace.
La Terre, la mère de tous, avec ses hautes collines,
Son ventre sacré se forme ; le flot gonflant
L'océan au son rauque ceint sa taille.
Ses pieds soutiennent un sol profondément enraciné,
Et le lugubre Tartare, et les limites extrêmes de la terre.
Tout ce qu'il cache, puis de son coeur à nouveau
Source : "Sur les images" Porphyre (232/3-c.305), tiré de fragments d'Eusèbe (vers 260-340), traduit par Edwin Hamilton Gifford, MIT].
" Zeus est donc le monde entier, animal des animaux, et dieu des dieux ; mais Zeus, c'est-à-dire en tant qu'il est l'esprit d'où il fait sortir toutes choses, et par ses pensées les crée. Lorsque les théologiens eurent ainsi expliqué la nature de dieu, faire une image telle que leur description l'indiquait n'était pas possible, et, si quelqu'un y pensait, il ne pouvait montrer l'aspect de la vie,et l'intelligence, et la prévoyance par la figure d'une sphère.
"Mais ils ont fait la représentation de Zeus sous forme humaine, parce que l'esprit était celui selon lequel il travaillait, et que par des lois génératives, il menait toutes choses à terme ; et il est assis, comme indiquant la constance de son pouvoir ; et ses parties supérieures sont nues, parce qu'il se manifeste dans les parties intellectuelles et célestes du monde ; mais ses pieds sont revêtus, parce qu'il est invisible dans le monde.Il tient son sceptre dans la main gauche, car c'est de ce côté du corps que se trouve le cœur, l'organe le plus puissant et le plus intelligent, car l'esprit créateur est le souverain du monde. Dans la main droite, il tient un aigle, car il est le maître des dieux qui parcourent les airs, comme l'aigle est le maître des oiseaux qui volent dans les airs.une victoire, parce qu'il est lui-même victorieux de toutes choses."
Porphyre (234 av. J.-C. - 305 av. J.-C.) a écrit dans le Fragment 7 : " Mais comme il y avait dans les graines jetées dans la terre une certaine puissance que le soleil, en passant dans l'hémisphère inférieur, entraîne vers le bas au moment du solstice d'hiver, Koré est la puissance séminale, et Pluton le soleil passant sous la terre et traversant le monde invisible au moment du solstice d'hiver ; et on dit qu'il emporte Koré,qui, alors qu'elle est cachée sous la terre, est pleurée par sa mère Déméter [Source : "Sur les images" Porphyre (232/3-c.305), tiré de fragments d'Eusèbe (c. 260-340), traduit par Edwin Hamilton Gifford, MIT].
"La puissance qui produit les fruits à coque dure, et les fruits des plantes en général, est nommée Dionysos. Mais observez aussi les images de ceux-ci : car Koré porte des symboles de la production des plantes qui poussent au-dessus de la terre dans les cultures ; et Dionysos a des cornes en commun avec Koré, et est de forme féminine, ce qui indique l'union des forces masculines et féminines dans la génération des fruits à coque dure.
sarcophage avec des scènes de Bacchnal
"Mais Pluton, le ravisseur de Koré, a un casque comme symbole du pôle invisible, et son sceptre raccourci comme emblème de son royaume du monde inférieur ; et son chien indique la génération des fruits dans sa triple division - l'ensemencement de la graine, sa réception par la terre, sa croissance ; car il est appelé chien, non pas parce que les âmes sont sa nourriture, mais à cause de la fertilité de la terre, carque Pluton fournit quand il emporte Kore.
"Attis et Adonis sont également liés à l'analogie des fruits : Attis est le symbole des fleurs qui apparaissent tôt au printemps et tombent avant la fécondation complète ; c'est pourquoi on lui attribue la castration, les fruits n'ayant pas atteint la perfection séminale ; mais Adonis était le symbole de la coupe des fruits parfaits.
" Silène était le symbole du mouvement du vent, qui ne contribue pas peu de bienfaits au monde ; la couronne fleurie et brillante qui est sur sa tête est le symbole de la révolution du ciel, et la chevelure dont ses membres inférieurs sont entourés est une indication de la densité de l'air près de la terre.
"Comme il y avait aussi une puissance participant de la faculté prophétique, cette puissance est appelée Thémis, parce qu'elle dit ce qui est prévu et fixé pour chaque personne.
"De toutes ces manières, donc, la puissance de la terre trouve une interprétation et est adorée : en tant que vierge et Hestia, elle tient le centre ; en tant que mère, elle nourrit ; en tant que Rhéa, elle fait les rochers et habite sur les montagnes ; en tant que Déméter, elle produit les herbes ; et en tant que Thémis, elle prononce des oracles ; tandis que la loi séminale qui descend dans son sein est représentée comme Priape, dont l'influence sur les cultures sèches estEn effet, Koré a été emporté par Pluton, c'est-à-dire le soleil qui descend sous la terre au moment de la semence ; mais Dionysos commence à germer selon les conditions de la puissance qui, tout en étant jeune, est cachée sous la terre, mais produit de beaux fruits, et est l'allié de la puissance dans la fleur symbolisée par Attis, et de la coupe de l'arbre.le maïs mûr symbolisé par Adonis.
"De même, la puissance du vent qui envahit toutes choses est formée par la figure de Silène, et la perversion à la frénésie par la figure d'une Bacchante, de même que l'impulsion qui excite à la luxure est représentée par les Satyres. Ce sont donc les symboles par lesquels se révèle la puissance de la terre."
Porphyre (234 av. J.-C. - 305 av. J.-C.) a écrit dans le Fragment 8 : " Ils ont appelé Océanus l'ensemble de la puissance productrice d'eau et ont donné à sa figure symbolique le nom de Téthys. Mais parmi l'ensemble, l'eau potable produite est appelée Achéloos, et l'eau de mer Poséidon, tandis que celle qui fait la mer, dans la mesure où elle est productive, est Amphitrite. Parmi les eaux douces, les puissances particulières sont appelées Nymphes, et celles de l'eau de mer, Amphitrite.les eaux de la mer Néréides. [Source : "Sur les images" Porphyre (232/3-c.305), tiré de fragments d'Eusèbe (c. 260-340), traduit par Edwin Hamilton Gifford, MIT].
"Ils ont appelé Héphaïstos la puissance du feu, et ils ont fait son image sous la forme d'un homme, mais ils l'ont coiffé d'une calotte bleue, symbole de la révolution des cieux, car c'est là que se trouve la forme archétypale et la plus pure du feu. Mais le feu descendu du ciel sur la terre est moins intense, et il a besoin du renforcement et du soutien que l'on trouve dans la matière : c'est pourquoi il est boiteux, car il a besoin de la matière pour...le soutenir.
"Ils ont aussi supposé qu'une telle puissance appartenait au soleil et l'ont appelé Apollon, d'après la pulsation de ses rayons. Il y a aussi neuf Muses qui chantent sur sa lyre, qui sont la sphère sublunaire, sept sphères des planètes et une des étoiles fixes. Et ils l'ont couronné de laurier, d'une part parce que la plante est pleine de feu, et donc détestée par les démons, et d'autre part parce qu'elle crépite dans l'air.brûlant, pour représenter l'art prophétique du dieu.
cubiculum dans une villa à Boscoreale près de Pompéi
"Mais comme le soleil éloigne les maux de la terre, ils l'appelèrent Héraclès (du fait qu'il se heurte à l'air) en passant de l'est à l'ouest ; ils inventèrent des fables selon lesquelles il accomplissait douze travaux, symbole de la division des signes du zodiaque dans le ciel ; ils le revêtirent d'une massue et d'une peau de lion, l'une pour indiquer l'irrégularité de son mouvement, et l'autre pour indiquer qu'il n'a pas de mouvement régulier.représentatif de sa force dans le "Lion", le signe du zodiaque.
"Asclépios est le symbole du pouvoir de guérison du soleil, et on lui a donné le bâton comme signe du soutien et du repos des malades, et le serpent est enroulé autour de lui, comme symbole de la préservation du corps et de l'âme : car l'animal est très plein d'esprit, et il repousse la faiblesse du corps.la vue, et il est dit dans une légende qu'il connaît une certaine plante qui redonne la vie.
"Mais la puissance ardente de son mouvement de rotation et d'encerclement, par lequel il fait mûrir les récoltes, est appelée Dionysos, non pas dans le même sens que la puissance qui produit les fruits juteux, mais soit à partir de la rotation du soleil, soit à partir de l'achèvement de son orbite dans le ciel. Et tandis qu'il tourne autour des saisons cosmiques et qu'il est l'artisan des "temps et des marées", le soleil est à ce titre appelé Horus.
"Le symbole de son pouvoir sur l'agriculture, d'où dépendent les dons de richesse, est Pluton ; mais il a également le pouvoir de détruire, et c'est pourquoi on fait partager à Sarapis le temple de Pluton ; on fait de la tunique pourpre le symbole de la lumière qui s'est enfoncée sous la terre, du sceptre brisé en haut celui de son pouvoir en bas, et de la posture de la main le symbole de son pouvoir de destruction.départ dans le monde invisible.
"Cerbère est représenté avec trois têtes, car les positions du soleil au-dessus de la terre sont au nombre de trois - lever, midi et coucher.
" La lune, conçue selon son éclat, ils l'appelaient Artémis, pour ainsi dire, " coupant l'air " ; et Artémis, bien que vierge elle-même, préside aux accouchements, car la puissance de la nouvelle lune est utile à la parturition.
" Ce qu'Apollon est au soleil, Athéna l'est à la lune : car la lune est un symbole de sagesse, et donc une sorte d'Athéna.
"C'est pourquoi son pouvoir apparaît sous trois formes, avec comme symbole de la nouvelle lune la figure en robe blanche et sandales d'or, et les torches allumées : le panier qu'elle porte lorsqu'elle est montée en haut est le symbole de la culture des récoltes, qu'elle fait pousser selon le rythme des saisons.l'augmentation de sa lumière : et encore le symbole de la pleine lune est la déesse des sandales d'airain.
"On pourrait même déduire du rameau d'olivier sa nature ardente, et du coquelicot sa productivité, et la multitude des âmes qui trouvent en elle une demeure comme dans une ville, car le coquelicot est l'emblème d'une ville. Elle porte un arc, comme Artémis, à cause de l'acuité des douleurs du travail.
" Et, encore, les Parques sont référées à ses pouvoirs, Clotho au génératif, et Lachesis au nutritif, et Atropos à la volonté inexorable de la divinité.
"Ils lui associent également la puissance productrice des céréales, qui est Déméter, comme produisant la puissance en elle. La lune est également un soutien de Koré. Ils placent Dionysos à ses côtés, à la fois à cause de la croissance de leurs cornes et à cause de la région de nuages située sous le monde inférieur.
"Le pouvoir de Kronos leur paraissait léthargique, lent et froid, et ils lui attribuaient donc le pouvoir du temps : ils le figuraient debout, et la tête grise, pour indiquer que le temps vieillit.
" Les Curettes, présentes sur Chronos, sont les symboles des saisons, car le temps chemine au fil des saisons.
" Parmi les Heures, certaines sont olympiennes, appartenant au soleil, qui ouvrent aussi les portes dans les airs : et d'autres sont terrestres, appartenant à Déméter, et tiennent un panier, l'un symbolisant les fleurs du printemps, et l'autre les épis de blé de l'été.
"Ils percevaient le pouvoir d'Arès comme étant ardent, et le représentaient comme causant la guerre et l'effusion de sang, et capable à la fois de faire du mal et du bien.
Fresque de Pompéi
" L'étoile d'Aphrodite, ils l'ont observée comme tendant à la fécondité, étant la cause du désir et de la progéniture, et ils l'ont représentée comme une femme à cause de la génération, et comme belle, car elle est aussi l'étoile du soir -.
"Hesper, la plus belle étoile qui brille dans le ciel." [Homère, Iliade 22:318]
"Et ils ont placé Eros près d'elle à cause du désir. Elle voile ses seins et ses autres parties, parce que leur puissance est la source de la génération et de l'alimentation. Elle vient de la mer, un élément aqueux, chaud, en mouvement constant, et écumant à cause de son agitation, ce qui leur permet de s'approprier la puissance séminale.
"Hermès est le représentant de la raison et de la parole, qui à la fois accomplissent et interprètent toutes choses. L'Hermès phallique représente la vigueur, mais indique aussi la loi générative qui imprègne toutes choses.
"De plus, la raison est composite : dans le soleil, elle est appelée Hermès ; dans la lune, Hécate ; et ce qui est dans le Tout, Hermopan, car la raison génératrice et créatrice s'étend sur toutes choses. Hermanubis est aussi composite, et pour ainsi dire à moitié grecque, car on la trouve aussi chez les Égyptiens. Comme la parole est aussi liée à la puissance de l'amour, Éros représente cette puissance : c'est pourquoi Éros est représenté comme lefils d'Hermès, mais en tant qu'enfant, à cause de ses soudaines impulsions de désir.
"Ils firent de Pan le symbole de l'univers, et lui donnèrent ses cornes comme symboles du soleil et de la lune, et la peau fauve comme emblème des étoiles du ciel, ou de la variété de l'univers.
Porphyre (234 av. J.-C. - 305 av. J.-C.) a écrit dans le Fragment 10 : "Le Démiurge, que les Égyptiens appellent Cneph, est de forme humaine, mais avec une peau d'un bleu foncé, tenant une ceinture et un sceptre, et couronné d'une aile royale sur la tête, parce que la raison est difficile à découvrir, et enveloppée dans le secret, et non visible, et parce qu'elle est vivifiante, et parce qu'elle est un roi, et parce qu'elle a une intelligence.Source : "Sur les images" Porphyre (232/3-c.305), tiré de fragments d'Eusèbe (vers 260-340), traduit par Edwin Hamilton Gifford, MIT].
"Ce dieu, disent-ils, fait sortir de sa bouche un œuf, d'où naît un dieu qui est appelé par eux Phtha, mais par les Grecs Héphaïstos ; et l'œuf, ils l'interprètent comme le monde ; à ce dieu on consacre la brebis, parce que les anciens avaient l'habitude de boire du lait.
"La représentation du monde lui-même, ils l'ont figuré ainsi : la statue est comme un homme ayant les pieds joints, et vêtue de la tête aux pieds d'une robe de plusieurs couleurs, et a sur la tête une sphère d'or, la première pour représenter son immobilité, la seconde la nature multicolore des étoiles, et la troisième parce que le monde est sphérique.
" Le soleil qu'ils indiquent parfois par un homme embarqué sur un navire, le navire posé sur un crocodile. Et le navire indique le mouvement du soleil dans un élément liquide : le crocodile eau potable dans laquelle le soleil voyage. La figure du soleil signifiait ainsi que sa révolution s'effectue à travers un air liquide et doux.
" La puissance de la terre, tant la terre céleste que la terre terrestre, ils l'ont appelée Isis, à cause de l'égalité, qui est la source de la justice : mais ils appellent la lune la terre céleste, et la terre végétative, sur laquelle nous vivons, ils l'appellent la terrestre.
La mosaïque Alexandre de Pompéi
"Déméter a la même signification chez les Grecs qu'Isis chez les Égyptiens ; de même, Koré et Dionysos chez les Grecs ont la même signification qu'Isis et Osiris chez les Égyptiens ; Isis est ce qui nourrit et élève les fruits de la terre ; et Osiris chez les Égyptiens est ce qui fournit la force fructifiante, qu'ils propitient par des lamentations lorsqu'elle disparaît dans la terre au moment de la mort.l'ensemencement, et comme il est consommé par nous pour la nourriture.
"Osiris est également pris pour la puissance fluviale du Nil : lorsqu'il s'agit de la terre terrestre, Osiris est pris pour la puissance fécondante ; mais lorsqu'il s'agit de la terre céleste, Osiris est le Nil, qu'ils supposent descendre du ciel : c'est aussi ce qu'ils déplorent, afin de propitier la puissance lorsqu'elle s'affaiblit et s'épuise.C'est pour cette raison qu'Osiris a été décrit par la tradition comme l'époux d'Isis, son frère et son fils.
" Dans la ville d'Éléphantine, on adore une image qui, par ailleurs, est façonnée à la ressemblance d'un homme et d'une personne assise ; elle est de couleur bleue, a une tête de bélier et un diadème portant les cornes d'un bouc, au-dessus duquel se trouve un cercle en forme de quinte. Il est assis avec, à côté de lui, un récipient d'argile sur lequel il façonne la figure d'un homme. Et comme il a la face d'un bélier et les cornes d'un bouc.il indique la conjonction du soleil et de la lune dans le signe du bélier, tandis que la couleur bleue indique que la lune dans cette conjonction apporte la pluie.
"La seconde apparition de la lune est considérée comme sacrée dans la cité d'Apollon : son symbole est un homme au visage semblable à un faucon, terrassant avec une lance de chasse Typhon sous la forme d'un hippopotame. L'image est de couleur blanche, la blancheur représentant l'illumination de la lune, et le visage semblable à un faucon le fait qu'il tire sa lumière et son souffle du soleil. Pour le faucon, ils le consacrent au soleil,L'hippopotame, quant à lui, représente le ciel occidental, parce qu'il engloutit en lui les étoiles qui le traversent.
" Dans cette ville, Horus est adoré comme un dieu ; mais la ville d'Eileithyia adore la troisième apparition de la lune ; et sa statue est façonnée en un vautour volant, dont le plumage est composé de pierres précieuses. Et sa ressemblance avec le vautour signifie que la lune est ce qui produit les vents ; car ils pensent que le vautour conçoit du vent, et déclarent qu'ils sont tous des oiseaux-poules.
"Dans les mystères d'Éleusis, l'hiérophante est habillé pour représenter le démiurge, et le porteur de flambeau le soleil, le prêtre à l'autel la lune, et le héraut sacré Hermès.
" D'ailleurs un homme est admis par les Égyptiens parmi leurs objets de culte ; car il y a en Égypte un village appelé Anabis, dans lequel on adore un homme, on lui offre des sacrifices, et on brûle les victimes sur ses autels ; et après un peu de temps, il mangeait les choses qu'on lui avait préparées comme pour un homme.
"Ils ne croyaient cependant pas que les animaux étaient des dieux, mais ils les considéraient comme des ressemblances et des symboles des dieux ; et cela est démontré par le fait qu'en de nombreux endroits, des bœufs dédiés aux dieux sont sacrifiés lors de leurs fêtes mensuelles et dans leurs services religieux. En effet, ils consacraient des bœufs au soleil et à la lune.
"Le bœuf appelé Mnevis, qui est dédié au soleil à Héliopolis, est le plus grand des bœufs, très noir, principalement parce que beaucoup de soleil noircit le corps des hommes. Sa queue et tout son corps sont couverts de poils qui se hérissent en arrière, à la différence des autres bovins, tout comme le soleil fait sa course en sens inverse du ciel. Ses testicules sont très gros, puisque le désir est produit par la chaleur, et l'on peut dire que l'homme est un être humain.On dit que le soleil fertilise la nature.
Fresque de Pompéi représentant une cérémonie de l'eau pour la déesse égyptienne Isis.
"A la lune, ils dédient un taureau qu'ils appellent Apis, qui est aussi plus noir que les autres, et qui porte les symboles du soleil et de la lune, parce que la lumière de la lune vient du soleil : la noirceur de son corps est un emblème du soleil, ainsi que la marque en forme de scarabée sous sa langue ; et le symbole de la lune est le demi-cercle, et la figure gibbeuse."
Sources des images : Wikimedia Commons
Sources des textes : Internet Ancient History Sourcebook : Rome sourcebooks.fordham.edu ; Internet Ancient History Sourcebook : Late Antiquity sourcebooks.fordham.edu ; Forum Romanum forumromanum.org ; "Outlines of Roman History" by William C. Morey, Ph.D., D.C.L. New York, American Book Company (1901), forumromanum.org ; "The Private Life of the Romans" by Harold Whetstone Johnston, Revised by Mary.Johnston, Scott, Foresman and Company (1903, 1932) forumromanum.orgmagazine, Times of London, Natural History magazine, Archaeology magazine, The New Yorker, Encyclopædia Britannica, "The Discoverers" [∞] et "The Creators" [μ] de Daniel Boorstin, "Greek and Roman Life" de Ian Jenkins du British Museum, Time, Newsweek, Wikipedia, Reuters, Associated Press, The Guardian, AFP, Lonely Planet Guides, "History of Art" de H.W. Janson, Prentice Hall, Englewood.Cliffs, N.J.), Compton's Encyclopedia et divers livres et autres publications.
Sources des images : Wikimedia Commons, Le Louvre, Le British Museum
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Dernière mise à jour : octobre 2018