Au cours de la période Edo (1603-1868), les sujets et les styles de peinture se sont considérablement diversifiés", a écrit Ann Yonemura, conservatrice d'art au Smithsonian, "à mesure que le mécénat s'élargissait pour inclure une classe de marchands nouvellement aisée".Les idéaux ont prospéré."
L'ère du Genroku, à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle, est parfois considérée comme l'âge d'or de l'art japonais, des pièces de théâtre Kabuki, de la poésie haïku et de la gravure sur bois.
L'art japonais de la période Edo est très populaire dans le monde entier. Une exposition itinérante d'art Edo a attiré 900 000 personnes en 2007, ce qui en a fait l'exposition d'art la plus vue au monde cette année-là.
Bons sites web et sources : Tokugawa Art Museum tokugawa-art-museum ; Art de la période Edo metmuseum.org ; ArtLex.com sur l'art d'Edo artlex.com/ArtLex/e/edo ; Livre : "Art of Edo Japan" par Christine Guth (Harry N. Abrams, 1996).
Armures, armes et épées de samouraïs Gallery Samurai gallerysamurai.com ; Armes et armures de samouraï artsofthesamurai.com ; Boutique d'armures de samouraï Kinokuniya www.kinokuniya.tv ; Boutique d'armures de samouraï Sokendo www.sokendo.net Armures du clan Yama Kaminari yamakaminari.com ; Mettre une armure chiba-muse.or.jp
Bons sites web et sources sur l'art japonais : Artelino sur l'art japonais artelino.com ; Web Japan web-japan.org/museum/paint.html ; Portail de l'art japonais japaneseart.org ; ;Art et architecture japonais du Web Museum Paris ibiblio.org/wm ; Zeroland zeroland.co.nz ; Visite virtuelle d'Asia Society asiasociety.org ; Daruma, magazine d'art et d'antiquités japonais darumamagazine.com ; Blog Art of JPN artofjpn.com
Sites d'histoire de l'art Ressources en histoire de l'art sur le Web - Japon witcombe.sbc.edu ; Early Japanese Visual Arts wsu.edu:8080 ; Japanese Art History Resources art-and-archaeology.com ; Des livres : "History of Japanese Art" par Penelope Mason (Harry N. Abrams, 1993) ; "The People' Culture - from Kyoto to Edo" par Yoshida Mitsukuni (Cosmo Public Relations Corporation, Tokyo, 1986) ; "The Shaping of Daimyou Culture, 1185-1868" par Martin Collcut et Yoshiaki Shimizu (National Gallery of Art, 1988).
Musées d'art au Japon Page de l'université de Columbia sur les collections d'art japonais columbia.edu ; Site du musée national de Tokyo tnm.go.jp ; Site officiel du musée national de Kyoto kyohaku.go.jp ; Musée d'art Tokugawa tokugawa-art-museum. ; Musée national d'histoire japonaise rekihaku.ac.jp ; Musée national de Nara narahaku.go.jp ; Musée de l'université de Kyoto inet.museum.kyoto-u.ac.jp ; Musée national d'art, Osaka nmao.go.jp; Recherche nationale des biens culturels Tokyo tobunken.go.jp ; Recherche nationale des biens culturels Nara nabunken.go.jp/francais ; Musée Miho près de Kyoto miho.or.jp ; Photos danheller.com
Musées ayant de bonnes collections d'art japonais en dehors du Japon ; Page de l'université de Columbia sur les collections d'art japonais columbia.edu ; Metropolitan Museum of Art metmuseum.org ; Sackler Museum in Washington asia.si.edu/collections ; Museum of Fine Arts, Boston mfa.org/collections ; British Museum britishmuseum.org ; Los Angeles County Museum of Art lacma.org/art ; Ruth and Sherman Lee Institute for Japanese Art Collection ucmercedlibrary.info
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La période Edo est une période de paix relative. En l'absence de guerres et de restrictions sur l'entrée des non-Japonais dans le pays, les shoguns, les daimyos (aristocrates terriens) et les samouraïs sous leurs ordres concentrent leur énergie sur l'administration des domaines et la poursuite des formes d'art telles que la poésie, la peinture, l'architecture, le théâtre No, la calligraphie, l'art floral et la cérémonie du thé.étrangers pour les distraire, les daimyos et les samouraïs ont pu développer et affiner des formes d'art typiquement japonaises.
L'accent mis sur les arts visait en partie à détourner l'esprit des militaires des questions militaires. "Dans le Japon des daimyos", écrit Bennet Shiff dans le magazine Smithsonian, "la culture est devenue synonyme d'autorité. Les seigneurs se font concurrence dans le domaine du grand art, du thé, du théâtre, de la poésie et de l'emploi d'artistes, d'acteurs, de poètes, de maîtres de thé. Il leur arrive fréquemment de pratiquer eux-mêmes un ou deux arts. Pour ne pas dire plus.Il est difficile, voire impossible, de citer une autre société dans l'histoire du monde où l'art faisait autant partie de l'existence quotidienne."
Au cours des périodes Momoyama et Edo, l'art et la société japonais ont connu une série de changements illustrés par le commissaire Gian Carlo Calza, qui a organisé à Milan une exposition intitulée "Japon : pouvoir et splendeur 1568-1868", par les sections de l'exposition : "Art et nature", "Pouvoir et splendeur", "Formes du design", "La ville", "Tradition" et "Rencontres avec l'Occident".York Times, 8 janvier 2010]
Roderick Conway Morris a écrit dans le New York Times : "Certaines scènes de la nature... durant la première moitié du XVIIe siècle, alors que les shoguns Tokugawa étaient encore attentifs à tout signe de dissidence, sont positivement menaçantes avec des images d'aigles d'où s'envolent d'autres animaux terrifiés, et des forêts de pins qui ont un aspect minable, musclé et contourné.On trouve ensuite de délicieuses représentations d'une famille de gibbons, formant une chaîne simiesque à partir d'une branche pour tenter de repérer un reflet de la lune à la surface de l'eau, par Kokan Myoyo (1653-1717), et de singes explorant un affleurement rocheux dans la brume, par Mori Sosen (1747-1821).
"Le développement simultané de styles anciens importés et de styles issus d'une tradition indigène est également évident dans la section "Formes de design", consacrée à la laque, au travail du bois, à la céramique et à la cérémonie du thé. Par exemple, les ustensiles utilisés dans ce qui allait devenir une coutume typiquement japonaise ont été initialement importés de Chine et de Corée. Lorsque la première usine de porcelaine locale a été créée, le Japon s'est mis au travail.Ouvert en 1616, il a d'abord été tenu par des artisans coréens. Mais au fil du temps, des céramiques faisant écho à des goûts plus autochtones - par exemple des récipients en raku aux formes étudiées et irrégulières - sont également devenues partie intégrante du complexe rituel de consommation du thé."
Roderick Conway Morris a écrit dans le New York Times : "En 1700, la population d'Edo, qui était alors l'une des plus grandes villes du monde, avait atteint environ un million d'habitants. L'un des principaux facteurs de cette explosion a été la politique des shoguns qui obligeait les quelque 260 daimyos, ou seigneurs féodaux, à passer une année sur deux dans la capitale administrative et dans leurs propres fiefs provinciaux - laissant leurs familles derrière eux comme des enfants.Les industries qui ont proliféré pour servir cette population croissante de résidents et de personnes à charge ont favorisé l'émergence d'une classe bourgeoise de marchands, d'artisans et d'artistes. Pendant ce temps, même les classes de samouraïs, dont les fonctions militaires ont été radicalement réduites par des décennies de paix, se sont tournées vers d'autres professions et d'autres tâches artistiques et artisanales pour gagner leur vie".Conway Morris, New York Times, 8 janvier 2010].
"Le centre de l'effervescence culturelle d'Edo était le quartier des plaisirs de Yoshiwara, avec ses maisons de thé, ses tavernes, ses théâtres, ses bordels et ses courtisanes - qui sont devenues les arbitres de la mode, paradant sur l'artère centrale avec leur entourage comme sur un podium.aristocrates."
"Dans un autre exemple de la transformation d'un concept importé en quelque chose de profondément japonais, un habitué de Yoshiwara, Asai Ryoi, dans son "Ukiyo Monogatari" (Contes du monde flottant) de 1660, a métamorphosé l'ukiyo, l'idée bouddhiste mystique de l'impermanence, en un concept bohème d'oubli de la réalité, d'existence pour le moment, vivant pleinement la vie du quartier des plaisirs,chanter des chansons, boire du saké et "comme une gourde vide à la surface de l'eau, suivre le courant".
Ainsi, dès le XVIIe siècle, Yoshiwara, avec sa clientèle bourgeoise et aristocratique, sa musique, son théâtre, ses artistes et intellectuels bohèmes, son abondance de prostituées et de "grandes horizontales" de haut rang, préfigurait à bien des égards la vie nocturne de Paris, de Londres et d'autres capitales européennes au XIXe siècle. Le quartier des plaisirs d'Edo et ses activités ont donné naissance à une nouvelle forme d'art, l'"ukiyo-e" (imagesLorsque ces estampes sont arrivées en Europe à la fin du XIXe siècle, elles ont eu une influence considérable sur l'orientation de l'art occidental".
La section "La ville" de l'exposition propose une sélection exceptionnelle de paravents, de peintures et d'estampes illustrant la vie divertissante et colorée du quartier des plaisirs, notamment un amusant rouleau du début du XIXe siècle racontant le voyage en bateau et à pied de Edo à Yoshiwara de trois dieux de la bonne fortune, réalisé par Chobunsai Eishi, et de captivantes peintures de jeunes beautés, dont l'une d'entre elles est l'une des plus belles du monde.Des artistes de premier plan ont également fourni des images pour des milliers de gravures érotiques (Shunga), représentées ici par une séquence exceptionnellement raffinée de Hokusai."
L'essor des grandes zones urbaines, le pouvoir et l'influence croissants de la classe des marchands et un bon réseau de routes et de voies navigables pendant la période Edo ont contribué à sortir l'art des cours des daimyo et à l'amener dans les villes et chez les Japonais ordinaires, travailleurs et fêtards. Les artistes ont apprécié ces changements. Ils ont pu vendre leurs œuvres à un public beaucoup plus large.
L'art urbain d'Edo, souvent sous forme d'estampes colorées, était plus direct et plus cru que l'art des daimyo et souvent satirique et humoristique. Robert Singer, à l'origine d'une superbe exposition sur la période d'Edo à la National Gallery of Art en 1999, a écrit que ce type d'art d'Edo se caractérise par "une expression audacieuse, parfois effrontée... et une vision ludique de la vie en général" [Source : Time magazine].
Les sujets de l'art urbain d'Edo étaient les prostituées, les lutteurs de sumo, les acteurs populaires, les scènes de la vie quotidienne et les personnes au travail. L'imagerie religieuse était parfois traitée avec irrévérence et on utilisait des symboles que les gens ordinaires pouvaient comprendre. Il existe un lien évident entre l'art urbain d'Edo et les mangas.
Certaines des plus grandes œuvres d'art d'Edo n'étaient ni des peintures ni des sculptures, mais plutôt des objets tels que des boîtes à lettres, des bols à thé et des plateaux de jeu. "Il se peut qu'aucune civilisation, orientale ou occidentale, n'ait atteint un plus grand raffinement dans les arts décoratifs que le Japon d'Edo", a écrit le critique d'art Robert Hughes du TIME. "La céramique, la laque et les textiles ont été portés à un niveau extraordinaire de concentration esthétique par les artistes d'Edo.un grand nombre d'artisans".
"L'habileté était la clé", écrit Hughes. "Les artistes et les mécènes d'Edo aimaient la virtuosité au sein d'un médium donné, mais ils n'avaient pas de hiérarchie entre l'art et l'artisanat. Pour eux, le travail d'un laqueur ou d'un papetier n'était pas moins digne que celui du peintre sur écran, et de toute façon, tant de médias pouvaient converger dans une seule œuvre que la hiérarchie artistique n'avait plus de sens."
Les objets d'art d'Edo comprenaient des masques No en bois polychrome représentant des femmes devenues des démons parce qu'elles ont été trahies par l'amour ; des éventails "cheukei" utilisés par les acteurs No jouant des rôles féminins ; des épées de samouraï de cérémonie en peau de raie, en laque, en cuivre, en or, en émail, en cuir et en acier ; des armures de samouraï à l'aspect reptilien en fer, en cuir, en laque, en soie et en or ; des selles et des étriers en cuir ornés d'or.et de la laque ; et les "uchiakake" ("vêtements de dessus" portés par les femmes de la classe des samouraïs), brodés de fleurs, de nuages et d'oiseaux.
Les idées sur les arts décoratifs ont fait leur chemin dans la cuisine et la parfumerie. Un livre de cuisine de la période Edo illustre 55 façons différentes de couper et de présenter la carpe.
L'armure des samouraïs est un autre exemple des arts décoratifs d'Edo. Les casques élaborés, connus sous le nom de "kawari kabuto" (masques de parade des samouraïs), étaient créés pour les défilés cérémoniels vers les batailles d'Edo. Ils présentaient une variété époustouflante de motifs décoratifs, inspirés par des éléments tels que les armoiries familiales, les coquilles d'ormeau, les éventails, les queues de carpe, les coquilles de palourde, les tourbillons, les oreilles de chauve-souris, les montagnes, les rivières, les vallées et la gloire du matin.Des fleurs. Un certain nombre d'entre elles ont été fabriquées avec de grandes oreilles de lapin. Les lapins étaient admirés par les samouraïs en raison de leur rapidité. D'autres ont ce qui ressemble à des oreilles de Mickey Mouse. Elles étaient parfois portées lors des batailles pour aider les samouraïs à identifier qui était de leur côté et qui ne l'était pas.
De nombreux peintres de la période Edo étaient des samouraïs. Paul Richard a écrit dans le Washington Post : "Découper un torse à l'aide d'une lame d'acier incurvée et appliquer de l'encre sur de la soie à l'aide d'un pinceau chargé de liquide sont deux arts du trait. Tous deux exigent la même rapidité, la même absence d'indécision. Pour le maître du pinceau et le maître de la lame, le trait parfait exprime un idéal japonais - la beauté...union gouvernée par une vitesse sûre et sans hâte et une tradition séculaire, une assurance absolue et une pureté d'esprit zen".
La peinture de la période Edo était riche en drames et en symboles. Une peinture d'une carpe nageant vers le haut d'une chute d'eau - ce que les carpes vivant au fond de l'eau ont peu de chances de faire - est considérée comme la manifestation d'un poisson devenant dragon et comme une allégorie de l'ascension sociale. L'image d'un singe essayant d'attraper une guêpe est un avertissement de ne pas contrarier un seigneur féodal, car les mots japonais pour "guêpe" ("hachi") et "guêpe" ("hachi") sont des mots d'ordre."fief" ("hoch") riment, tout comme les idéogrammes "singe" et "seigneur".
Grues par Kano Eisen
Parmi les groupes d'artistes décorateurs influents, citons l'école Sotatsu-Korin, qui a relancé la peinture décorative, le "Bunjin-ga", qui a été influencé par l'art des dynasties chinoises Ming et Ching, ainsi que les artistes Maruyama Okyo et son élève Nagasawa Rosetsu, et Matsuma Goshun, qui ont mis l'accent sur les portraits réalistes de la nature.
L'école Rinpa a étudié les styles chinois, Kano et Toso et a développé son propre style très original de peinture décorative avec beaucoup d'or et de couleurs vives sur les paravents et les rouleaux suspendus. Parmi les artistes Rinpa célèbres du 17ème siècle, on trouve Tawaraya Sotastsu (naissance et mort inconnues), Hon'ami Koetsu (1558-1637) et Suzuki Kiitsu (1796-1858). L'école Toso a suivi le style Yamato-e et s'est concentrée surpeindre des scènes de la littérature classique pour des clients fortunés.
"Le "tagasode" ("dont les manches") ou parfois le "kasode" (petites manches) était un style de peinture d'écran suggestif et érotique de la période Edo qui représentait des robes de femmes suspendues sur le bord de l'écran.
La peinture de genre, un style d'art qui dépeint des personnes ordinaires vaquant à leurs occupations quotidiennes, était très populaire à la période Edo. Peintes sur des paravents et des rouleaux, ces œuvres d'art étaient remplies de dizaines de personnes qui dansaient, mangeaient et s'amusaient, et sont quelque peu similaires aux œuvres de l'artiste européen Peter Brugel.
L'"écran de Hikone" (années 1620-40) est un superbe exemple de "yurakuza" ("représentation de plaisir"). Cet écran à six panneaux peints à la feuille d'or représente une scène de bordel avec des dizaines de personnages jouant à des jeux de société, écrivant des lettres d'amour et jouant d'instruments de musique.
peinture de Kano Eitokeo
L'école de Kano était célèbre pour ses peintures de partition dorée représentant de riches paysages, des fleurs, des oiseaux et des arbres. Elle est apparue au cours de la période Momoyama (1573-1603) et est restée populaire tout au long de la période Edo. Basée à l'origine à Kyoto, elle est devenue l'école officielle du shogunat et ses méthodes étaient donc gardées secrètes. Lorsque certains de ses livres de copies ont été divulgués et publiés, l'école s'est empressée de changer son nom.Il a été fondé et nommé d'après l'artiste Kano Masanobu (1434-1530).
L'école Kano était dirigée par des membres de la famille Kano qui avaient hérité de leur position. Les artistes étaient tenus d'apprendre des techniques en reproduisant des tableaux dessinés par ses maîtres. À l'origine, l'école mettait l'accent sur le réalisme et était fortement influencée par l'art chinois, mais avec le temps, elle s'est enfermée dans une sorte de formalisme qui étouffait la créativité et l'innovation. Dans le cadre de leur longue formation, les artistes de l'école Kano copiaientdes peintures considérées comme des chefs-d'œuvre, encore et encore.
La longévité de l'école Kano est autant liée à la politique qu'à l'art. Elle a perduré jusqu'au XIXe siècle parce qu'elle s'est déplacée de Kyoto à Tokyo lorsque le shogunat Tokugawa y a établi sa capitale et qu'elle lui est restée fidèle tout en recrutant de nouvelles recrues dans différents clans.
Kano Tanyu (1602-74) est considéré comme le plus grand artiste de l'école Kano. Il est célébré comme un grand maître qui a amené l'école Kano vers de nouveaux horizons. Travaillant au début du XVIIe siècle, à une époque où le shogunat se déplaçait de Kyoto à Edo (Tokyo), il a réalisé des peintures murales pour les châteaux de Nagoya et de Nijo à Kyoto, ainsi qu'une série de parchemins représentant Tokugawa Ieyasu. Il a également convaincu l'école de déménager à Tokyo.à Tokyo, une manœuvre politique astucieuse.
Parmi les autres peintres Kano dignes d'intérêt, citons Hanabusa Itcho (1652-17234), connu pour ses œuvres influencées par l'ukiyo-e et ses sujets risqués, Kano Michinobu, qui a créé des œuvres joviales et légères, et Kano Osanobu (1796-1846), qui a peint des sujets traditionnels sous des angles intéressants.
Les premières peintures de genre représentaient généralement de nombreuses personnes faisant la fête, travaillant ou se livrant à des activités à l'extérieur. Au fur et à mesure que la forme d'art s'est développée, le nombre de personnages a été réduit, leurs activités ont été atténuées et les personnages ont été ramenés à l'intérieur. La peinture de genre tardive se concentre sur des sujets uniques, souvent une belle femme se tenant seule dans un bain ou une chambre.
Bambou et prunes par Ogata Korin
Parmi les artistes Edo innovants et pleins d'humour, citons également Sengai Gibon, auteur d'une amusante et magnifique représentation d'une grenouille souriante en pleine méditation, et Kuniyoshi, qui a produit des images de guerriers tatoués combattant des araignées géantes et d'énormes serpents.
Ito Jakuchi (1716-1800) est connu pour son imagerie religieuse irrévérencieuse, son utilisation de légumes en tant que symboles bouddhistes et ses expérimentations avec le pointillisme en mosaïque et d'autres styles. Il a peint des images de grues, d'aigles, de fleurs de prunier, d'éléphants, de tigres et de roseaux ondulant dans la neige. Dans "Grapevies", il peint des feuilles sans contour, en utilisant uniquement des lavis humides dans la "manière sans os".Les vrilles étroitement tordues et les vignes entrelacées n'ont pas été autorisées à se croiser.
Kawanabe Kyosai était un autre peintre connu pour ses œuvres humoristiques. Décrivant un tableau de Kyosai représentant le moine Daruma, Paul Richard a écrit dans le Washington Post : "Sur le mur se détache le moine féroce... le fondateur légendaire de la discipline du zen. Ses yeux sont exorbités. Son front est froncé, son torse est velu. Il est furieux. Tout aussi intenses sont les coups de pinceau grossiers et impatients de l'or...".Des robes brodées. Daruma met le spectateur au défi de vaincre l'illusion de soi. Mais il est difficile de le prendre au sérieux. Les peintures de ce genre étaient autrefois des objets religieux. Celle-ci est une pièce de fête."
Parmi les autres artistes réputés, citons Katayama Yokoku, qui a produit des rouleaux suspendus de style chinois, Watanabe Shiko (1883-1755), célèbre pour ses images de grues, Nagasawa Rosetu, connu pour ses images fantomatiques de femmes, Mori Sosen (1747-1821), qui a peint de merveilleuses images de singes et a déclaré qu'il se réincarnerait en moine, et Sakai Hoitsu (1761-1828), le créateur d'œuvres élégantes et raffinées.des écrans et des parchemins relatant le changement des saisons, tels que "Fleurs et herbes d'été et d'automne".
Les frères Ogata Korin et Ogata Kenzan ont produit de belles œuvres. Ogata Korin (1658-1716) était un maître du design et a produit des peintures lyriques comme "Le pont octuple"). Ogata Kenzan (1663-1743) était un potier habile qui a fait des céramiques avec des inscriptions imagées. Hoitsu, Ogata Korin et Kiitsu ont tous fait leurs propres versions "Dieux du vent et du tonnerre".
Maruyama Okyo a fendu la glace d'une vue fraîche pour l'été
L'artiste Maruyama Okyo (1733-1795) et son élève Nagasawa Rosetsu (1754-1799) étaient connus pour leur style audacieux et novateur.
Connu pour ses peintures de portes coulissantes, Okyo est considéré comme le père de la peinture japonaise moderne et l'un des premiers artistes japonais à avoir développé un style japonais véritablement unique. Il y est parvenu en partie en combinant une technique sophistiquée, l'élégance et le réalisme, et en fusionnant les traditions chinoises avec les méthodes occidentales telles que la perspective, et en dessinant directement d'après la nature et les modèles plutôt qu'à partir deEn 2007, les "Grues" d'Okyo ont été vendues pour 1 050 000 dollars, soit le triple du prix demandé, lors d'une vente aux enchères chez Christie's. Cette paire de paravents du XVIIIe siècle a été la première œuvre japonaise à être vendue pour plus d'un million de dollars en plus d'une décennie.
Parmi les chefs-d'œuvre d'Okyo figurent "Unyru-zu" ("Dragon et nuages") et "Botan Kujaku-zu" ("Pivoines et paons"). Les œuvres les plus célèbres de Rosetsu sont "Tora-zu" ("Tigre") et "Yamauba-za" ("Femme de la montagne"). Les deux artistes réalisaient de grandes peintures qui dominaient le spectateur. La relation entre Okyo et Rosetu était orageuse. Okyo a expulsé Rosetu de son école à trois reprises, mais il admirait sa technique.Rosetu est mort dans des circonstances mystérieuses à l'âge de 46 ans. Il a été suggéré que l'un de ses rivaux l'a empoisonné par jalousie.
Hon'ami Koetsu (1558-1637) est parfois surnommé le Léonard de Vinci de l'art japonais en raison de son extraordinaire talent dans de nombreuses formes d'art : peinture, calligraphie, céramique, poésie, cérémonie du thé et laque. Il était tout aussi habile à produire des bols minimalistes pour la cérémonie du thé que des peintures expressives et des boîtes en laque merveilleusement conçues.
Issu d'une famille de sabreurs, Koetsu a prospéré sous le règne du shogun Tokuagawa Ieyasu, qui a offert à l'artiste un petit village près de Kyoto pour y travailler. Il a travaillé avec de nombreux autres artistes de son époque et a été décrit par certains comme étant aussi bien un "directeur artistique" qu'un "artiste". Tout au long de sa carrière artistique, il a également exercé son métier, le polissage de sabres.
Ukiyo-e Woodblock Printing, Voir article séparé
Sources des images : Musée national de Tokyo, British Museum
Sources du texte : New York Times, Washington Post, Los Angeles Times, Daily Yomiuri, Times of London, Japan National Tourist Organization (JNTO), National Geographic, The New Yorker, Time, Newsweek, Reuters, AP, Guides Lonely Planet, Compton's Encyclopedia et divers livres et autres publications.